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1 ) 吃不进的少女春药
对不住大家，这部能在豆瓣能刷到9.1分的《La La Land》，我就是要唱唱反调。国内的朋友也别急，3月就会上映了。这里还有个海量剧透预警，如果你仍然期待花两个小时做一场梦，这篇也先别看了。
去看的原因很简单，身边的少女朋友强行喂我吃了一颗安利：此片关于梦想，关于错过，最重要的是，画面美到无药可救。最后，我还体验了传说中的『男默女泪』，因为少女语重心长的致命一击：『真的好感人，我都看哭了呢......』
然而我坐在影院里，硬生生也没挤出一滴眼泪。
当然，电影有很多用『你厉害啪啪啪』来追捧的点，一开始的长镜头就值得让人倒吸一口冷气，从音乐到歌舞到摄影都可以给五星好评，最后一段蒙太奇相信也是赚足泪水。金球奖也是集齐七枚召唤神龙了。
不过就凭人设硬伤这一点，就让我一直很出戏。
简单说下这对cp。石头姐扮演的女主Mia，设定是一个兜里揣着女明星梦实际却在洛杉矶屡试屡败的loser，6年来事业毫无起色，平时在咖啡店主职发梦，兼职打工，爱好宅。而高司令这位男主Seb，是略显清高的爵士发烧友，无奈生不逢时，要么是在餐厅可有可无地伴唱，要么是在派对唱小曲儿助兴，总之靠走穴混场营生。都挺惨的。
两人好上之前，一共三次眉来眼去。
第一次，在颇有山鸡特色的世纪大堵车中，开小差路怒症女司机向超车男司机比中指。
第二次，在圣诞夜忘带钥匙无法回家的马大哈女主，一只孤魂野鬼飘到男主伴奏的餐厅，刚想表达对男主才华的艳羡之情，却因失业男主心情不佳被浇冷水。
第三次，女主发现男主是派对助兴乐队主唱，故意点唱大俗辣歌曲。后来不知怎么的，派对结束，插着队找着车两个人就跳起了踢踏舞......
这，这就好上了......
不过毕竟是两个颜好的落魄人，不管人家有没有溜进闭馆的科技馆星空下飞起，在一起也是名正言顺。
童话故事里的爱和梦想都是有敌人的，按照编剧的套路，就是要开虐了。那么问题马上就来了！
石头姐和高司令在一起之前有这么个现任，而石头姐摇着『我要去追寻我的爱情了！』的大旗，竟然吃着饭就甩脸走人了，留下现任和现任的朋友们一脸懵逼。看到这里，我就想，导演觉得观众是会被主角光环闪瞎双眼的，并且人设离崩也不远了。
当梦想不能变现，高司令的旧时好友John Legend向他抛出了橄榄枝，『00后不买帐有毛用，爵士就是被你们这种老古板害死的！』。高司令欲拒还迎，领着可观的薪水，撸着键盘和乐队巡演去了。
此处插播一场高潮戏。男主回来给女主过生日，女主开作，你老出差我俩咋整？你真的喜欢那种音乐？接着步步紧逼，你的音乐梦想似森莫！男主一句话拆穿，『你当初和我在一起就是为了让自己感觉好』，当真是说得一点也没错。女主甩着怨妇脸就走，饭焦了，留下哔哔哔直响的警报器。
与此同时，女主心里打着靠原创话剧一炮而红的小算盘，吭哧吭哧埋头苦写。还有一个小细节不知道大家注意到没有，曾经的好闺蜜跑来和女主说『求带飞』的时候，女主不经心地回复，『可这是我一个人的独白话剧耶！』，我当下就翻了个白眼。
首演当天，出差的男主没出现，台下观众寥寥，租的剧院也没回本。多少人日复一日地经营着自己的梦想，而女主只演了一次，就带着碎一地的玻璃心哭着闹着回娘家去了。
所谓梦想，她不配。
要不是男主开着老爷车找去女主老家，在住宅区乱按喇叭只为叫醒一个有手机的女人，轮得到女主去试镜讲自己姑姑的巴黎奇遇记？
另外，男主当初去巡演，女主拼命打着梦想的幌子捆绑，而女主试镜时听说要去巴黎排3个月拍4个月，却头也不回地表示『我愿意』。
后来的事，大家也知道了。
五年后，男主真的完成了开一个爵士酒吧的梦想，座无虚席我眼中却只有你。
女主成为了家庭事业双收的闪亮明星，她挽着体面的丈夫坐在bar里，却脑补了和前任的结局。于男主的梦想，她贡献的，不过一个logo和当年一瓢冷水而已。
这并不是什么『要梦想还是要爱情』的人生命题，在最后一段蒙太奇里，闪耀的只是噼啪作响得荷尔蒙。
他们要的从来都是梦想，尤其对女主来说，可能和谁走入婚姻都一样。那也说不上什么错过了，只不过在那个时间那个地点，我遇到过那个你。
2 ) 严肃影评#26：再看《爱乐之城》——依然2016最佳
1/25/2017更新：我知道大家已经可以在网上找到熟肉了，但情人节上映的时候还是希望大家能进电影院去再看一遍，而且最好是跟喜欢的人一起去。毕竟大屏幕和好音效对于这部电影来说分外重要，我相信大家也会觉得这是值回票价的。至于是否需要看IMAX，因为画面比例的关系，其实普通的电影院就可以了。
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2016是一个很奇怪的年份。
世界看起来更不和平了——贯穿全年的恐怖事件让人觉得分外不安全，甚至在年关将至时还在世界各地发生着各种恐怖袭击。但回想起近几年来层出不穷的那些让人不寒而栗的悲剧，我们似乎还是可以麻痹自己，假装习以为常，保持镇定。
世界变得更分裂了——先是年初的英国脱欧，再是年底特朗普当选美国总统以及后续不断发出有争议性的言论。不过无论这些大事件是多么违背所谓的真善美价值观，所有的看法总有另外的一面，因此总有与我不尽相同的人享受着这些大事件的发生。况且对我们来说这些事件的影响可谓是微乎其微，因此又有什么好抱怨的呢。
世界也继续失去更多深受爱戴的伟人——从英年早逝的“王子”普林斯到体育界公认“最伟大”的穆罕穆德•阿里。但最让人伤感的莫过于在年末最后的几天内我们接连失去了星球大战的公主莱亚饰演者凯丽•费雪，以及她的母亲，那个以《雨中曲》名垂青史的黛比•雷诺斯。但死神是不会翻查日历的，每年逝去的伟人也是数不胜数，因此这或许也并没什么好大惊小怪的吧。
当然，可能对我来说最重要的，是2016年的电影似乎也没那么好看了。在超级英雄大片和翻炒横行的2016，稀缺的成功原创作品让我感到了不少的失望。《超人大战蝙蝠侠》和《自杀小队》（我的影评：//movie.douban.com/review/8027446/）到底有多不好？我说不清楚。带着所谓政治正确的标签在年初名声大振却实则质量一般的《一个国家的诞生》跑赢在我看来上半年的最佳《瑞士军刀男》（我的影评：//movie.douban.com/review/7984389/）以及肯定会在奥斯卡上有所收获的出色作品《海边的曼彻斯特》（我的影评：//movie.douban.com/review/8370485/），在年初的圣丹斯电影节上斩获最高奖，也让我觉得真心的莫名其妙。而在经历了一个近年来最烂的暑假档后，各大媒体终于迫不及待地开始讨论电影是否已死，超级英雄片是否正在毒害电影界（我的答案当然是否定的，但这是一个需要分开讨论的问题，不在此展开）。
至少对我来说，2016肯定不是一个最好的年份——姑且称它为一个让人疲惫不堪的失望年份好了。
所以当我拖着疲惫不堪的状态进入9月份的时候，当我得知期盼已久的《爱乐之城》在威尼斯赢得满堂彩的时候，我迫不及待地来了一场说走就走的旅行。对于大多数人来说，旅行的意义在于观光，但对于我来说，这场说走就走的旅行仅仅是为了呼吸一下科罗拉多新鲜的空气（大麻味？……），以及在特柳赖德电影节抢先观看这部特立独行的电影罢了。
达米安•沙泽勒的前作《爆裂鼓手》相信影迷们再熟悉不过了。这部在我看来2014的最佳作品，虽不完美，却充满了火花和能量，甚至让人在观影后感到不自觉的亢奋。我还记得当年我先后6次进电影院跟不同的朋友去观看这部电影，就像是为了这剂会上瘾的兴奋剂一般。我大概只是需要去感受那最后20分钟的澎湃以及电影结束后观众们的热烈欢呼声吧？也正因为这样，我说走就走地去看《爱乐之城》，应该也只是希望沙泽勒能在这个羸弱的2016给我同样的那种兴奋剂般的感觉而已。
在特柳赖德上，《爱乐之城》毫无疑问地赢得了当时包括我在内所有在场观众的心，甚至在播放期间就收获两次欢呼。这部在威尼斯打响第一炮后回到美国的影片，看似反好莱坞，却又再好莱坞不过。它是那么的反好莱坞——没有任何原始素材的音乐剧在当今的大制作人手中几乎是不可能被搬上大荧幕的。谁让年轻人们都不怎么喜欢音乐剧呢，更何况就算有百老汇耳熟能详的歌曲作为铺垫的改编电影也不见得能做得多好，比如几年前的《悲惨世界》就是一个不太成功的例子。所以编剧兼导演沙泽勒竟然能用6年的坚持把这么一部电影奉献给影迷们，实在是奇迹而又反好莱坞的一件事。但它又是一部再好莱坞不过的电影——镜头下华美的洛杉矶，俊俏得过分完美的男女主角，以及那甜美而苦涩的爱情故事，无不是好莱坞电影最让人熟悉不过的元素了。它是那么的好莱坞，以致于当那硕大而怀旧的圆体The End出现在荧幕中，当Made in Hollywood（好莱坞制作）毫不掩饰地出现在观众的眼前时，我一点都不觉得有违和感。
而这份好莱坞感，这份沙泽勒所极力营造的感觉，除了给我那期待已久、似乎在2016无法感受到的兴奋外，更多的还是一份感动。
都说《爱乐之城》是对追梦人的致敬，是对洛杉矶的情书。这些对本片最直观却动人的解读，加上那绚丽华美却不失现代感的音乐剧内核，以及欠缺佳作的2016年前9个月，让我迅速爱上了这部电影（我当时的影评：//movie.douban.com/review/8096042/），甚至认为这是明显的年度最佳。但2016年是后劲十足的——包括《月光男孩》（我的影评：//movie.douban.com/review/8159907/）以及《海边的曼彻斯特》在内的一众独立电影作品让人对电影界不至于失去信心，也让《爱乐之城》显得没有那么的完美。更让我揪心的则是经过了特柳赖德时的蜜月期后，这部电影在我脑中开始慢慢显得不那么经得起推敲了。它是那么的独特而让人喜爱，却又是那么的充满缺点——略显单薄的人物设定，尽是俗套的剧情，以及那华丽但看似缺少主旨的结尾，都让它显得那么的欠缺。当我进行年末回顾时，纵观2016我所看过的电影，它在电影技术层面上不及《月光男孩》和《小姐》般完美，在情感深度上不及《海边的曼彻斯特》般深沉。我甚至开始怀疑9月时对它那过度兴奋的反应是否仅仅是因为太久没看过好电影而失去了应有的批判性罢了。
然后，12月来了，《爱乐之城》终于开始了大范围的上映。我决定再次走进电影院，这次带上批判性的眼光去重新审视这部电影。
128分钟后，我似乎再次失去了所谓的这种评判性的眼光，失去了客观看待这部电影的冲动以及能力。于是我走出电影院，又买了一张票，再次去经历第三次128分钟的兴奋和感动。
当我再次走出电影院时，在夜半寒风中行走的我，虽然既没看过在戛纳名声大振的《托尼•厄德曼》，也没看过马丁•斯科塞斯历经二十多年等待所制作的《沉默》（已看，我的影评：//movie.douban.com/review/8289410/），以及还有更多更多的2016年影片没有观看，但我心目中的年度最佳却从来没有这么清晰过。
再看《爱乐之城》，它依然是我心目中毫无疑问的2016最佳。
都说爱容易迷糊视线，我大概也不能太客观地阐述为何我那么喜爱《爱乐之城》。
我爱《爱乐之城》，可能是因为它是一部充满灵魂，充满性格和活力，充满爱的电影。它把我多年来都无甚好感的洛杉矶拍成了如梦般的天堂——无论是把那为人诟病的堵塞交通拍成五彩缤纷的色彩炸弹，还是把毫无生气的半山幽径拍成男女主角眉来眼去的踢踏舞场，抑或是把格里菲斯天文台这种充满理性气质的地标建筑换妆成全紫色调的约会地点，都给予了我无法言喻的浪漫感觉。也正是这种浪漫感觉，让作为观众的我们能明白开场戏中的一众追梦者们当年是为何被这座城市所勾引的。
我爱《爱乐之城》，还可能是因为它那对已逝去的好莱坞的各种怀缅与致敬，以及它试图以一种现代的方式去照应那些经典的桥段。当艾玛•斯通所饰演的米娅面试失败后垂头丧气地走入复古风的公寓累瘫在床上时，一幅硕大的英格丽•褒曼画像挂在她的床边，这当然让喜爱老好莱坞片的影迷们欢心不已了。而《卡萨布兰卡》在片中不断地被引用，除了让更多的观众明白导演沙泽勒对老好莱坞的喜爱之外，似乎还有着更深沉的含义。当然作为音乐剧，少不了的还是对一众经典的致敬——无论是以色彩斑斓的服装对沙泽勒的挚爱《瑟堡的雨伞》进行致敬，抑或是傍晚时两位主角迷人的踢踏舞对《雨中曲》的效仿，都那么地让怀旧的影迷们觉得格外舒心。
我爱《爱乐之城》，还因为它那值得一听再听的配乐。在怀旧的同时，沙泽勒没有选择强行把台词以歌唱的形式展现在观众面前，而是让歌声出现在该有的地方。这也是为什么作为音乐剧的它真正乐曲的数量却并不庞大的原因。但数量上不去，质量却不会下来。同为《爆裂鼓手》配乐的贾斯丁•赫维兹，这位沙泽勒在哈佛的同学兼挚友，谱写了一众让人难忘的旋律来打动观众的心灵，更是在随后的剧情中不断进行不同旋律的混搭。当我们意识到音乐不仅是《爱乐之城》的签名，更是述说主角们喜怒哀乐的工具时，我们也多多少少能明白为什么歌曲大多出现在电影的开端——因为米娅和塞巴斯蒂安都还处于两情相悦的甜蜜期，因为他们还置身在与现实不相符的幻境之中。但当他们的关系急转直下时，当他们回到残酷的现实时，那些悦耳的歌声也悄然离去了。只有在最后他们试图逃离现实，去幻想“如果”和“本可以”时，由之前那些动人旋律所组成的乐章才再次奏起，让观众们为他们感到甜蜜与悲伤。对于这些充满性格的配乐歌曲，就连饰演男主角的瑞恩•高斯林也说道：“我不应该再重复去听这些配乐了，但这些旋律却依然感动着我。”
当然，《爱乐之城》让我如此喜爱，还因为它有着这一对钻石般耀眼的男女主角搭配。这大概是当今荧幕上最过分美丽却又让人觉得无可厚非的情侣搭档了吧？无论是瑞恩•高斯林俊朗外表下的幽默感，还是艾玛•斯通那双大得让人不敢相信的眼睛下迷人的笑容；无论是高斯林苦练数月后那游刃有余的琴技，还是斯通完美诠释的最后那段感人的歌声；无论是他们两个在霓虹色的晚霞照耀下合拍的舞步，还是他们两个最后那让人惋惜的四目对视。这些都无不让观众们感受到这两位演员作为影星所散发出的光芒，让人不能自已地对他们所饰演的角色产生喜爱。从某种意义上说，我们观看电影是为了置身于一个脱离现实的幻境中。而缺少了这对应性耀眼的光芒，大概我们也很难说服自己去脱离现实，而《爱乐之城》大概也会因此逊色不少吧？应该说沙泽勒是走运的，因为他能使用这两位充满个人魅力的演员去诠释他笔下的角色。试想一下如果主角们换成最初的迈尔斯•泰勒（《爆裂鼓手》男主角）和艾玛•沃特森（《哈利波特》中的赫敏）来饰演的话电影会变成什么样，我反正是无法想象……
但我最爱《爱乐之城》的原因，大概是除了对洛杉矶和追梦人的致敬之外，它还是对电影迷们的一封不折不扣的情书。当Cinemascope（一种五六十年代的老旧镜头样式）的字样随着画面的拉宽清晰出现在我的眼前时，当黑白的荧幕图标渐渐被那Technicolor（一种二十到五十年代时好莱坞使用的颜色处理方法）般泛黄的颜色替代时，我作为一个纯粹的电影迷感到了前所未有的感动。在大多数人都讨论着4K和高帧数的今日，当IMAX那锐利得没有死角的画面不断给观众们带来更真实的感觉时，我却为眼前的这幅与时代不相符的柔和画面，这幅在角落里不时能看到那不完美黑角的画面而鼓掌喝彩和无比感动。
沙泽勒是一个怀旧的人。自然而然地，他笔下的角色便也是怀旧的人。女主角米娅害怕自己的舞台剧过分怀旧而不受欢迎，但犹如是沙泽勒替身的男主角塞巴斯蒂安则跟米娅说：“怀旧才是重点啊！（如果观众们不喜欢怎么办？）去他们的！”当然，《爱乐之城》的这种怀旧还体现在它作为音乐剧的身份上了。在这个所谓IP作品横行的世代，毫无前身的原创作品要有上佳的质量可谓难度不小，而原创的音乐剧更是难上加难。但沙泽勒为了向他的最爱——法国新浪潮导演雅克•德米的音乐剧《瑟堡的雨伞》致敬，6年来不断改进《爱乐之城》的剧本，终于在《爆裂鼓手》后得到机会完成自己的心愿，把音乐剧以一种现代的形式展现在观众面前。可以说，从第一幕开始，观众们就能感受到这部音乐剧的与众不同了。它不会为自己音乐剧的身份向观众道歉，因为正如塞巴斯蒂安所说的一样，沙泽勒不在乎观众们的意见，他只是执着地想完成自己的梦想罢了。
但要不喜欢这部电影，大概是不可能的吧？从第一幕那将要成为经典的高架桥群舞长镜头（实际上是三个分开的片段在后期制作时接到一起的）开始，观众们应该不难感受到沙泽勒的野心，以及配得上这个野心的能力。贯穿影片那充满能量的镜头语言犹如电影中另一个重要的角色一般，充斥着自己的性格。它时而活泼而灵动，比如上面提到的开场片段；它时而惶恐不安，比如男女主角在餐桌上吵架后手持画面的不断抖动；它时而有条不紊地为观众们展开兴奋的幻想，比如末尾的蒙太奇。而另一个重要的角色，则是电影中光与影的使用。随着角色情绪调整的光线在制造了唯美画面的同时，更是让影片的梦幻感更上一层。它仿佛不断地告诉观众，欢迎来到这个与让人憎恨的现实所不一样的地方。
这封对老电影以及影迷们的情书，大概在电影中秋季的最后一幕达到了高潮。当米娅完成最后那个动人的试镜，当塞巴斯蒂安跟她深情对视时，他们互相与对方说的最后一句话是“我永远会爱你的。”这像极了那句《卡萨布兰卡》中名垂千古的经典对白一般，让人回味无穷。正如七十多年前亨弗莱•鲍嘉所饰演的里克与英格丽•褒曼所饰演的伊尔莎那句标志性的道别“我们将永远拥有巴黎的回忆。”一般，塞巴斯蒂安与米娅在道别时都明白，无论他们的将来如何，他们都会有着这一段不可磨灭的La La Land回忆。
而我，也不会忘记在2016年观看《爱乐之城》时那纯粹的欢乐和感动。因为那五彩缤纷而怀旧复古的画面而欢乐，也因为那在梦想前愿意放弃所有的勇气而感动。大多数人都认为《爱乐之城》的结局是甜蜜而苦涩的——明明相爱的两人终究不能走到一起，而只能在一首歌曲的有限时间内幻想在另一个时空的他们如何快乐地生活着。但在我看来，痛并快乐着，似乎才是更好的解读方式。他们当然要为自私地追求梦想而不能相宿相栖而忍受着一辈子的痛苦了，但也正是这种自私让这两个角色更靠近生活和打动人心。或许这才是更合理的结局吧？米娅和塞巴斯蒂安在翩翩起舞时是那么的动人，但在电影的其他时候却失去了那种光辉，甚至用言语批判对方的追梦是一种罪。就算是结尾的蒙太奇也不能给予他们最完美的结局——在米娅成名的同时，塞巴斯蒂安也只能在身边放弃他的梦想了。这个世界不是完美的，即便是Technicolor渲染下的《爱乐之城》也不是完美的，所以他们为了梦想有所牺牲的这个结局才是最合理，也是最深刻的。
当然，为《爱乐之城》感到快乐的除了我和众多的观众之外，必不可缺的还有沙泽勒这位天才。“电影在过去的这个世纪里被制作成反映现实的媒体，但音乐剧以感情的名义打破了这种现实性。而这，是美丽的——当你足够地为这个世界感触时，你会为之而歌唱。”沙泽勒这么说道。而有多少观众在观看《爱乐之城》后会因为被其触动而希望舞动着走出电影院，希望高声歌唱来表达自己的快乐呢？
相信肯定不止我一个吧。
当我回看2016年时，我会回想到文首提到的那些让人沮丧的事件和情形，我会怀缅那些为我们带来美好回忆但不得不说再见的伟人们，我还会为那些让人失望的电影而感到厌恶。但我同样会记得，在这个全世界都承受着莫大痛苦的2016，《爱乐之城》为包括我在内的万千影迷观众们带来的那亟须的快乐。在这个传统的美好似乎与现实格格不入、似乎随时都要被更不合理的事情所取代的年份，《爱乐之城》证明了那些所谓的高新技术在充满灵魂的电影制作面前是那么的渺小。
而这，正是《爱乐之城》成为我心目中毫无疑问的2016最佳的原因。
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最后，再用一张海报来解释一下为什么这是2016年的最佳作吧！
3 ) 最后没舍得弹完的那一个音让人心碎。
太多感悟，大家都看到的好和精彩就不赘述了，说几个自己很喜欢的小细节。（严重剧透）
1.
这是Mia从party筋疲力尽的退场后发现车被拖走后在街上疲惫的走着。随着Mia沿着这条背景是涂鸦墙的路向前（右）走，镜头也在不断向前（里）扩大，从一开始的多半身，慢慢拉近到半身，在慢慢拉近至整个脸部特写，这种横向和纵向同时的双重移动，让你的注意力一点点的聚焦到Mia的身上，仿佛一点点的走进了她的内心，深切的感受到了她当时心里的那种无助，失落，迷茫，难过，也就是这个时候主题曲Mia & Sebastian’s Theme 第一次响起，那种安静里带着一丝丝落寞，平静里藏着一点点忧伤的曲调吸引着Mia推开了门。
Update: 三刷更新，Mia进门之后，有一个对涂鸦墙的全景。很喜欢，仿佛是对刚刚整个心理进程的总结，也代表门外门内的分割。预示着故事即将开始。
2.
这是Mia和Sebastian第一次趁着工作休息时间约着出来散步。两个人走到这个片场外面的时候，这两个镜头形成了鲜明的对比，第一个镜头是场外面的两个人，背光，阴影，几乎看不清脸，仿佛道出了两人都还是默默无闻的追梦最底层无人关注的形象；与之对比，第二个镜头是场内的缤纷多彩，绚烂夺目；两人痴痴的望着里面，那么近又那么远。
3.
两个人听完jazz越好看电影之后分开的画面，都开始有点点依依不舍。道别之后两人向左右两个方向走去，最最喜欢的是，当两个人走的接近于镜头边缘的时候，交错的Mia先回了头，然后Sebastian在Mia转回去之后也回了头。两个人回头是站的位置，回头的时间，停留的长短都恰到好处，让这种交错的遗憾都完美的让你觉得胜过两人回头对视上千百倍。
4.
Planetarium这段真是美醉了。一个喜欢的细节是最开始两人跳舞在镜头右侧旋转和摆钟在镜头左侧旋转的交相辉映。还有一个喜欢的细节是男主拿手帕擦把手显绅士的俏皮和后来手帕起飞发现magic的呼应，不尴尬，还点缀的刚刚好。
5.
这是两人在一起后summer恋爱时光的快节奏画面的一个。就是很喜欢这个仰拍角度，层层的座椅，和车内车外的光影对比。有一种恋爱时我的整个眼里除了你谁都看不见的甜蜜，有一种恋爱时我的世界除了你谁都不重要的幸福。
6.
当Sebastian乐队巡演越来愈忙，逐渐忽略Mia的时候，当Mia可怜巴巴的给Sebastian电话留言的时候，你可能会以为电影进入了两人追求事业成功步伐不一致不欢而散的俗套，但是一场surprise意料之中又意料之外的解救了你。Mia看到惊喜面部表情的丰富变化不想过多的再表扬。喜欢这场戏，因为矛盾冲突吵架的每一句都在点子上，两个人吵架都是有着节奏的，知道Sebastian最后说出了那句最伤人的“你就是想让我什么也不是才让你感觉自我良好”，彻底trigger了无法挽回的爆发。然后马上报警器响起，一是打破了沉默，推着剧情发展，二是预示着两人的恋爱关系鸣响了警笛。Sebastian去开烤箱，镜头顺延从厨房引向餐桌，Mia伤心起身，决绝出门，然后镜头从门又绕回厨房，看见Sebastian拿出了烤糊的蛋糕（厨房－餐桌－门－厨房，整个转了一个完整的圈，空间感丰满且人物感情交替更迭，且最后道出蛋糕烤糊的结果，更是突出的彰显了原本惊喜的好意和最后的不欢而散）
7.
还有一些其他的细节，例如电影里面两个人开车多数都是向右，仿佛是追梦的勇敢之路。Mia在演出失败之后对Sebastian说她要回home home，然后是Mia在夕阳下开车回家，这个时候她是向左开的，仿佛是慢慢蜷缩了自己。
8.
Mia很多场audition，无论是衬衫还是夹克，都是穿的很锋利，突出了她求胜的心态，唯有最后一场她穿了淡蓝色的茸茸毛衣，整个人很温和温婉恬静，也表现出她逐渐看开，放松，成熟的心态。
9.
最后这一段的Epilogue重走过一生的这段有多美好不想赘述。只想说这段长达7:38的音乐是整部影片里所有音乐的集合。包含了开场的 another day of sun，还有经典的city of star。整个音乐跌宕起伏，悲伤－》欢乐－》紧张－》轻快－》振奋－》祥和－》温柔－》甜蜜－》安静－》喷涌－》温暖－》安心－》平静－》忧伤－》心碎－》碎到窒息流泪。The song has a great buildup to a terrific ending. 就如同电影一样。画面都美好的不得了，其中这个剪影觉得简直美爆了。以一个旁观者的角度参透了面试官的认真，Mia的动情和Sebastian的紧张和关心。无需多言语，画面就讲述了太多。
10.
说到最后，说说我喜欢的这么多细节中最最最最喜欢的两个。第一个：当Sebastian看到Mia之后，说了那个“Welcome to SEB'S”之后坐到钢琴旁边，一直到他开始弹琴，这中间有一段很长很长的沉默，Sebastian的内心的复杂情绪，对Mia的想念，对过去时光的怀念，对看着她身边早已有人相伴的酸涩，对重逢的欣慰，对我们都坚持了梦想的但是却没能一起坚持的幸福和遗憾，那段很长很长的沉默却长的恰到好处，感觉少一秒都不能这么淋漓尽致的体验所有这些一切奔涌的情感的交织，感觉多一秒就会太满会破坏了这种意境。在你觉得心已经到嗓子眼快要窒息的时候，熟悉的甜蜜且悲伤的钢琴声响起。第二个：这段音乐的最后，当我们从梦幻走回现实，当镜头又退回到舞台上的Sebastian，当钢琴声又逐渐变慢，那种复杂情绪的纠结又再一次将你吞噬。但我想说的都不是这些。我想说的是，最后的最后，Sebastian其实是有一个音符没有弹完的。第一次看完电影的第二天我反复听着段听了好多遍，就发现少一个音，我一开始以为是原声带录的失误，作为一个强迫症，每次听到最后都很难受，感觉少了点什么。直到昨晚去二刷，才发现电影里面，就是没有弹最后一个音。那个时候我才明白，这就是最细节的表达。或者你可以理解为Sebastian到最后已难过的谈不下去，但我更愿意理解为Sebastian根本不想把它弹完，就仿佛心里还执着的觉得我们之间还有些什么故事没有结束，他舍不得把它弹完。在众人都以为弹完了鼓掌的时候，我相信Mia是能都懂得Sebastian的这种用意的。
最后的最后说一点自己的感受，这部片子已经成为我的最爱，没有之一了。我第一次看电影的时候，看到一半的时候，感觉脸僵了，才意识到从开场就一直不由自主下意识的在微笑。好多次热血沸腾，禁不住的想怎么可以拍的这么好，这么这么多的细节。镜头、色彩、音乐、舞蹈、节奏。满足了我对电影的所有期待和幻想。希望能去三刷。相信还会有新的惊喜发现。努力努力努力的想记住每一个画面。最后的最后，我有一个梦想，希望在四十五岁之前找到一个对的人一起学习、练习、表演电影里面男女主所有的舞蹈。
4 ) 在纯粹的梦想面前，任何善意的非善意的揣测和同情都自惭形秽
现已不接受任何转载，望谅。谢谢。
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影片结束，放映室灯光亮起，我坐在自己的座位上久久没有起身。 La La Land，是我近几年看过的、最打动我的片子。介于别的影评已经从不同角度（Chazelle独特的歌舞片风格、对好莱坞歌舞片黄金时代的致敬、写给洛杉矶的情书、高司令和Emma的神级演绎、触动人心的原声带等）专业地评价过导演、演员功力之厚，影片蕴含之深、情怀之重，我就仅写写自己作为一个被打动的观众的，关于梦想，关于艺术的所思二三吧。 看完之后心情非常复杂。硬要捋一捋，我觉得甜蜜而又悲伤，悲伤但却甜蜜，能够简短地总结这部电影给我的情感体验。 片名《La La Land》妙极。这个词是英语里的一个常用语。韦氏词典define "La La Land" as the following: "an euphoric dreamlike mental state detached from the harsher realities of life", 即一种极乐的、在梦境中一般的、脱离残酷现实的精神状态。在我看来这个看似可爱无心的词，极准确、简练地形容了影片里的故事，同时也总结了该片想要向观众传达的一个讯息。另外，La La Land也是影片故事所在地LA洛杉矶的别名。洛杉矶，the city of stars, 无数年轻人来好莱坞寻梦、无数人的梦想在这里破灭，然而永远有人在寻梦，有人年轻着，这个城市的星光永远不会昏暗，似乎永远都那么美好。 而我之所以喜欢这部片子，也正是因为它实在美好得无可救药，浪漫得一塌糊涂。事业不如意的年轻女演员和穷困潦倒的音乐家坠入爱河，一起追梦的故事其实已经被前人讲了很多次。然而31岁的导演Chazalle仍不厌其烦地再次向观众讲述这样一个故事，这样的固执让我感动。回顾他之前的作品Whiplash爆裂鼓手//movie.douban.com/subject/25773932/ 故事也相对类似。但Whiplash是更为愤怒的，孤注一掷的，饱浸汗水泪水甚至血水的，而La La Land相比之下，则是透明的，瑰丽的，干净的，如梦似幻的。 这个梦想的国度，是紫蓝色霞霁下的Lovely night，是黄昏望不见尽头的码头，是洒落了星光的璀璨银河，是你开心了就放肆地唱啊跳啊，音乐永不停止的dreamland, neverland。举目望去，一切颜色都是亮的、纯的，空气似乎都是甜的。 你说现实生活中存在这样纯粹的美好么？我们都知道那个答案。 这部电影妙就妙在，我们没有人愿意去问这个问题。 USA Today（今日美国，美国发行量第二大的国民报纸）评价这部电影用了一句话，我觉得很贴切 - "Cynicism's not welcome in 'La La Land' "/ 现实的冷言冷语、愤世嫉俗在La La Land里是不被欢迎的。它美好得如一个童话，虽然没有最后男女主人公Happily ever after的结局，它仍然是一个童话。它对一切的怀疑、顾虑都是免疫的。即使我们知道它是虚幻的，也不忍心戳破。 我们愿意去相信。 在那些追梦的年华里，我们是幸福的，快乐的。 导演给了我们一个La La land, 一个safe space. 它充满善意。这一点让我无比感动，感恩。所有的梦想一下子都变得值得追求的，值得被人尊敬。 影片里有很多让我泪流的时刻。当Sebastian唱着City of Stars, are you shining just for me?(星光璀璨的城市啊，你只为我闪耀吗？) 当Mia唱起Here's to the ones that dream. (为了那些勇于做梦的人们）。当Sebastian对试镜完的Mia说"You gotta give it all you have." (你必须全力以赴) 当影片最后台上台下的两人对望, 时过境迁，沧海桑田。。。 眼泪中我想起好多人好多事。 我想起大一的时候，我cohort里的一个男生，专业是爵士钢琴 - 就是影片中男主人公的专攻，多巧。我们当时觉得他很疯狂，交着那么贵的学费，住在全美开销最大的城市，学没有多少人再去听的爵士。我们擅自地为他的目盲感动惋惜。可我忘不了他谈到爵士时眼里的光。 我想起我大二实习的现代舞团的团长Alison和她的舞蹈演员们。他们没有一个人手头是富裕的。每一次办演出，不仅是我这个实习生，连团长都要到街上去发传单，只希望有更多的人能够看到他们的作品。而这样的一群人，穿梭在纽约的大大小小的排练室，创造出了一个又一个作品。在美国大选结果出来的第二天，我看到他们自发地组织了一场在联合广场的公开art installation. 在他们的脸书艺术家召集令上，他们说“No make up or high legs required, only your soul” 我忘不了她们对艺术、生活的真挚。 我想起我的踢踏舞老师。他半开玩笑地劝我们，如果你们想过得舒坦，千万不要把踢踏舞作为自己的事业，因为这赚不了任何的钱。可当我问他要是不跳踢踏舞，他想从事什么工作，他看着我的眼睛，说“I can't think of anything else that I want to do” 我想不到其他我想做的事情 我想起前男友刚决定放弃原本的专业，转去学习歌剧的时候，他在自己的主页上写下这么一句充满理想主义光辉的话，"有人问我学唱歌以后没钱吃饭怎么办，我说，我没想好，那就先饿着再说吧" 我想起一次和他一起出去吃饭。餐厅里有个卖唱的歌手。他唱的并不十分的好，但是唱的很认真。前男友听得很入神。我说，我觉得自己不太敢正视这些卖艺的人们，觉得他们好可怜，用一首又一首也许没有人在听的歌去换取极微薄的收入。我也不喜欢看迪士尼的表演，是因为我总会去想，在人前欢笑、舞蹈的背后他们到底有多辛酸呢？我承认自己善意的“怜悯”、揣测也许带有些许condescending的味道。前男友听了之后认真地跟我说，不要“同情“他们，你有什么”资格“同情他们呢？这是人家所选择的职业、生活，也许回报并不多，然后at the end of the day你又怎么知道他们不是快乐的呢？他们不比我们快乐呢？他的想法充满善意，然而无疑过于理想化、naive。但我那一刻还是被感动了，而且自惭形秽。 我想起我和前男友分开的时候。已经是歌剧演员的他抱着我说，我选择的这条路太难走，我无暇顾及其他，必须全力以赴，对不起。我流着泪点头说，嗯，没关系，我懂。 Here's to the fools that dream.追梦的路是很难走的。真正实现梦想的人们少而又少。但谁又真能高高在上地说这些坚持做梦的人们是傻瓜呢？ 在纯粹的梦想面前，任何善意的非善意的揣测和同情都自惭形秽。 在做梦的人们，请你们一定不要放弃。 我想起小时候的自己。最小的时候我想要成为一个舞蹈家。可惜先天软度不够，跳了十年，我放弃了。我不觉得可惜，因为身体条件确实不够。但我记得那些个在练功房挥汗如雨的日子，那些压腿压得哭哑了嗓子也仍然坚持的日子，那些在一遍又一遍的拍子、音乐中跳跃、旋转的日子，那些辗转在各地的演出场所表演的日子，那些纯粹得因为热爱而热爱的日子。 我想起我曾经想成为一个播音员。从小学、初中到高中，我一直在学校有自己的广播节目，也是校内外大大小小活动的主持，还代表中国去过外国访问演出，被大使接见。看着我长大的叔叔阿姨似乎都认定我将来要去电视台主持个什么节目。可我是什么时候放下了话筒的呢？ 我想起稍大了些我想做一个话剧演员。我喜欢刻画一个又一个的角色，喜欢在漆黑的剧场里，我站在舞台的镁光灯下声音一直传到最后一排观众耳朵里的感觉。申请大学的时候，有几所学校我申请的都是戏剧专业，也居然被录了。可我为什么没有去呢？ 我的梦在哪里呢？它们都去哪儿呢？我是什么时候把它们弄丢了呢？我要怎么把它们找回来呢？我用它们换了些什么？它们现在又是什么呢？ 王尔德说，我们都生活在阴沟里，但我们中的一些人却在仰望星空。 我们其实都有过梦想，只是有些人变换了，有些人放弃了，而有些人一直坚持着。 你能去可怜他们，说他们不是快乐的么？ 影片最后在酒吧里各自实现了梦想但早已天各一方的二人，在目光相汇的那一刻，分明是微笑着的。 I trace it all back, to that 多年之后当我回顾，我想起 Her, and the snow, and the Seine 她，那雪，那塞纳河 Smiling through it 笑对着人生种种 She said 她说 She'd do it, Again 倘若有来世，愿再从头来过 我想起立鼓掌。 我的La La Land 电影原声带乐评 《倘若有来世，愿再从头来过》 //music.douban.com/review/8223865/
5 ) 幸好，你们分手了
这让我怀疑我是不是进入到了一个麻木又冷漠的人生阶段，面对原本可以“圆满”的结局，我竟然没有以泪洗面，竟然没有感到什么遗憾，我只想起立鼓掌并送上最真挚的祝福：幸好，你们曾放开了彼此的手。
剧情很简单：
两个生活在洛杉矶的文艺青年，相遇了，相恋了，最后却因为都要追求自己的人生梦想分手了。五年后偶遇，他们都成为了当初想要成为的样子，最终以相视一笑泯恩仇结束了这段意外邂逅。
这样的故事每天都在上演，如果把洛杉矶改成北京，人物原型就是这样的：
一个小剧场跑龙套的女演员和一个十八线地下音乐人相遇了，他们啃着煎饼果子，在某live house贿赂了检票人员入场，并省下一周的饭钱买了一瓶绿棒共饮，在愤怒的摇滚乐BGM下，他们眼中闪烁着泪花互相鼓励，“你一定能行的”，“你也是”。
故事的结局会是一样的：跑龙套的也有春天，她最终成为一线小花女艺人，十八线音乐人也不再忧伤，他在鼓楼开了一家酒馆，虽然小众却经常人满为患。
他们终于实现了自己的人生梦想，但还是在相遇的那一刻不可控制的在颅内剧场里上演了一出人生AB剧，若是当初没有分开，他们现在已经一起走上了人生巅峰。
就是这一幕，唤起了多少人内心的渴望，让多少人达到了情绪高潮，他们想起了那个曾经放弃的人，那段曾经错过的感情，拍着大腿恍然大悟：我得到的都是侥幸，我失去的都是人生啊。
你可千万别把这一刻当真。
你怀念的，你感到惋惜的不过是一场关系没有走到尽头，至于那是不是真的爱情，另当别论。
电影跟回忆一样，总是会美化我们的经历。多年后，你会忘记过去一起遭遇的贫穷，患难时对彼此的嫌恶，忘记曾为鸡毛蒜皮争吵，忘记冷落和失望，就算记得，这些不快的经历也会像加上一层柔光镜，顺眼了不少。
唯有那些美好会被放大，它们在你心里变得越来越特别，不同寻常到似乎眼前的一切都比不上。
这是陋习，也是共性，我们总是对失去的、错过的东西另眼相看，仿佛只有不再属于自己的东西才是最好。
却忘记了，你当初有过无比坚定的要放弃的理由，你曾信誓旦旦认定自己不会后悔。
在那时那刻你比较过，你衡量过，你取舍过，就别怪命运弄人，这一切都是你自己的选择。
所以，那段蒙太奇的假设不过是镜花水月，是永不可能发生的幻象，你可曾想过，如果电影中的一对爱侣没有分道扬镳，是否还能取得今天的成就？是否能在实现梦想后依然相看两不厌？
人造的另一完美结局肯定魅力无边，就因为它脱离了逼仄的真实，完美的跟假的似的。
所以，何必伤怀？你追逐的、你想要的，早在几年前就已经做出了抉择。
既然选择了梦想，就应该付出代价。
其实，提到人生目标、理想、梦想等类似的词，我总觉得这些概念的存在本身就是一种荒唐。
我们从小到大被培养出的“理想观”、“梦想观”似乎都是只关乎于自己，且大多只聚焦职业、事业、工作，要成为科学家、舞蹈演员、要环游世界、要拍一部伟大的电影、要登上月球…...
这些梦想很好，只是太单薄了，它们只照射人生的一面，却跟家庭、爱情、生活方式这些维度没有丝毫关系。
大多数人的梦想都是狭窄的，我很少听过谁的梦想覆盖到未来的爱情或是家庭生活。
我们没有在梦想中给爱情留下一席之地，这也不难理解为什么梦想总是跟爱情互斥，为什么在两难境地当中，更多的人选择放弃了爱情，去实现梦想。
因为在我们的语言文化环境中，梦想这个词本身就比爱情高级。
时代不一样了，舍弃爱情投奔理想的也不只是男性。
亦舒写过一个故事叫《迷藏》，同样面对爱情和事业的抉择时，女主角王维元的妈妈问她：“像你这样进退两难的年轻女子可多？”维元答：“满街都是，车载斗量。”
不是只有电影里和小说里的人儿才会接受现实的考验，平凡如草芥的你我他，都可能有一天面对如此尴尬，左转是爱情，右转是梦想，你就站在岔路口，内心如煮。
我倒不觉得一定要为理想放弃爱情，毕竟理想常在，爱情却如鬼魅。
这或许也是影片中的二位没有修成正果的一种可能，他们之间确有深厚感情，但那未必是爱情。他们相互吸引，相互倾慕，但与其说爱上对方，不如说更爱自己。
米娅就是女版的小塞，小塞就是男版的米娅，他们都是怀着一腔热血，他们都贫困潦倒，他们都热爱艺术，他们都怀才不遇，他们都活在自己的世界中。
这也正是片名LA LA LAND的一种释义：沉浸在自己的世界里。
正因为境遇如此相似，他们才会有那么多相通的感受，有那么多相似的看法，有一样的偏执和神经质。
他们爱上对方，其实更像是顾影自怜，他们为对方着迷，其实更像是肯定自己。生活已是如此的艰难，有一个人跟自己并肩作战，总是好的。
王小波曾在给李银河的诗里写：我的勇气和你的勇气加起来，对付这个世界总够了吧？
就是这种想要用叠加的勇气和坚韧共同抵抗人生艰难的愿望，支撑着他们携手并肩，可一旦光景好了起来，他们终于在旁人眼光和俗世里得到肯定，LA LA LAND便成了乌托邦，所谓的爱情便成了鸡肋。
于是，米娅和小塞终于现实了起来，你演你的戏，我弹我的琴，就此告别过去一名不文的自己，连同那段患难感情。
或许，我们的生命中都会出现这样的一个人，他只是来陪你走一段，只是跟你共赴人生的某个阶段，而一旦结束了那个特定的状态，他的任务完成了，他送你到下一个渡口，最后的告别就是看着你离开。
当米娅和小塞再相逢，谁也不必为他们遗憾。在收获梦想果实之后，在你变得更自信更成熟之后，你找到的归宿才更接近于真实生活中的爱情——不是为了找到自我，也不是为了互相慰藉，只是为了找到纯粹的爱，白头偕老。
你看，不是所有的错过和分离都是一种遗憾，因为有时恰恰是错过和分离，才让你实现了你的梦想，让他成为了他想成为的那个人。
6 ) 让我生气的一部电影。
如果你是一名不相信爱情的单身狗， 恭喜你，此片绝对是你的励志片。 而我恰恰是个有精神洁癖的浪漫主义者，所以抨击这个电影是必然的结果。 我讨厌LA LA LAND最重要的原因，是它传递的那种价值观。成功（野心）比爱更重要。 你想想导演对他所谓梦想的设定： 演电影，成名，嫁给有钱人，有钱。 开爵士酒吧，终于赚钱了，全是人，有钱。 所以整个电影对梦想的定义就是，有钱了。 呵呵。 仔细说来这个爆裂鼓手的导演真的不适合拍爱情片啊， 简直是爱情片的灾难。 他的爆裂鼓手里电影刚开始十分钟男主就因为进了乐队要专心打鼓和女友分分钟说分手。 爱情在这个导演眼里就跟卖菜一样。 现在真的来正儿八经迫害爱情电影了。这种爱情观导向真的要教坏小朋友。 虽然说LOVE这个词已经被陈词滥调说了无数遍，几乎被用坏了， 现在宣扬爱，谁就被骂成撒鸡汤。 你看看这个片有多火就该知道当今世界的主流价值观早就把成功和个人主义奉为第一位了。 人们不相信宗教，不相信爱情，只相信自我成功的实现。 在此我不附上任何评价，也不知道这是时代的进步还是悲哀。 再说爱情， 这个世界的浪漫是如此廉价了吗。 是灯红酒绿， 是一曲对唱， 是瞬间同居， 是无法退让妥协磨合就散。 是多年以后的一声叹息？ 别用自己那点野心和自私说成生活本就如此。 不够爱，就滚好吗。也不要多年以后留下廉价的眼泪。 爱情是很多妥协，很多牺牲，很多痛苦，很多付出。 不是简单的，“OK，你只管自己的事情，那我们分手吧”。 "OK,我要去巴黎了。异地咋办？看着办呗。” 如果只是简单的小言情下也无可厚非，只是请不要在结局把立意抬的这么高好吗。 因为，明明就啥都不是。 不经过点歇斯底里，分分合合，不聚不散，根本就不配说是深爱过。 请问男女主究竟为他们的感情做出什么牺牲和付出了？如果男主是为了女主过的更好，暂时放弃他的爵士梦，还情有可原的话，那女主究竟干什么了？除了作，无止境的作！再者，男主暂时放弃爵士追求流行乐说到底也SERVE他自己的INTEREST。 当镜头转到女主一身名牌成为明星趾高气扬去买咖啡的时候，当镜头转到她嫁了富豪住进豪宅时，我真的觉得自己走错了影院。不好意思，这样的三观我无法接受。这样的成功我也不能苟同。 OKAY，如果真的你是为了梦想不择手段，就请你做婊子做到底。不要在走入当年旧情人开的酒吧时，感叹万分，赚观众眼泪。情圣也让你做了，梦想也让你追了，你是有多完美？ 仔细想想女主真是很可怕的人，见不得男主成功，用他的梦想道德绑架他让他不爽。只是因为自己一事无成游手好闲。自己却因为一场话剧失败和别人的闲言碎语就彻底放弃回老家不见人。这样的态度也可以最后成功？这样的成功也来的太方便了吧。结果真的轮到她自己的机会来了，却没有为这段感情争取过半点。 所以这个电影。 梦想也没交代清楚，爱情也没交代清楚。 他们怎么就相爱了？是因为真心心心相惜，还是电影中指出的落魄时相互取暖而已？ 他们怎么就分手了？是因为坚持不了3个月的异地恋？还是女主越来越红地位悬殊了？ 女主对演员梦想的追逐，究竟是因为喜欢演戏，还是只是想做大明星，嫁给富豪？ 男主对爵士梦想的追逐到底在哪里。他为什么会放弃流行音乐，是因为赚够了钱？之前那段对爵士几乎放弃的说辞去哪了？导演对于流行音乐的嘲讽和贬低也很disrepectful,好像音乐就有贵贱之分一样。想当初爵士也称霸过整个音乐市场好吗，也就是说，它就是当时的“流行音乐”啊。 太多未解之谜。 不是用春夏秋冬的流水账能说明的。也不是用一句5年后能敷衍的！ 唯一一段赚足观众热泪的现实和梦想的对比，拜托那是照抄“与莎莫的五百天”玩剩下的好吗？ 抄袭，赤裸裸的抄袭啊。。。。。救命。 故事可不能这么讲啊，大哥。 我是付钱来看电影的，不是付钱来听音乐剧的。 不好意思，这样三观不正，逻辑混乱的电影不能忍。 真不能忍。 就算有LA华丽的外衣也抵挡不住内里那股铜臭气。 不过如果歌舞片是看个开心就好，那么我承认我是太认真了。呵呵哒。 P.S.,关于评论的一些补充： 后记1.有网友认为我玛丽苏。男女主不在一起我就不开心了。 说实话，我强调很多遍，要黑就一身黑，像爆裂鼓手。 要丧就丧到底，就像蓝色情人节， 要纯爱就纯爱到死，就像恋恋笔记本。 不要既唱歌，又跳舞，既纯爱，又现实，既要钱，又舍不得爱。 弄出一付我是逼不得已，我是身不由己，是社会逼的，是现实逼的，是好莱坞逼的。 我只能用一个词形容。hypocrite. 当然这也是很多美国人的价值观， 看上去很美，就好。 i will always love you，然后就分手再也不见。 这样的I love you简直是一种诅咒。 后记2.有评论问我多大。 请问我多大和这个观点有关系吗？ 好像这年头相信爱情的人都很幼稚一样。 好像轻易放手就是一种更高尚更成熟的做法一样。 好像有爱情洁癖的人都他妈是活在自己世界里的处女一样。 更有甚者直接人身攻击我不经世事在这里哗众取宠。 我想说，哗众取宠的是这部电影。 打着梦想的旗号，披着爱情的羊皮，说着一个既不是爱情也不是梦想的故事。 关于年龄的问题。答案是， 我不小了。 但仍然相信因为够爱所以仍然可以在一起的事情。 相信相遇6个月因为够爱就闪婚然后美好的在一起不分离的爱情。 也相信经历了3年异地因为够爱还是结婚生子在一起的爱情。 唯一，一点执拗和偏执，就是不能容忍， 这样轻易说分手的感情，叫做深爱。 如果这都算爱情， 如果分手遗憾更成全了你心目中的永恒， 那么那些相濡以沫一辈子不离不弃的感情变成了什么。 回到原话， 就算我80岁了，我还是坚持我的观点。 真的爱就是不离不弃。 其他， 都他妈是佯装爱情的骗子。 骨子都是爱自己。 不是爱对方， 也不是爱爱情本身。 现实世界是很残酷，如果长大和成熟意味着妥协对爱的标准。 认为只要曾经拥有都算爱情的话。 那这辈子要留多少不值得的眼泪。 真的爱，不会走。 反之，亦然。 套用我最好朋友COCO的一句话， 爱情，至上， 怎么了？ 后记3. 说来很悲凉。 我的原则就是。做人。做梦。做爱。都要做到极致。 一定要争取。 我最喜欢的电影《伊丽莎白小镇》里说， those who risk, win. 要梦想，就不择手段去追啊。 喜欢的人，梦里梦到就去见啊。 爱的人，怎么能轻易放弃。 爱都能轻易放弃了，你的人生成什么了。（这句话是高晓松说的。。） 如果什么努力都做了。 我认。 都是自己选的路。跪着也要走下去。 不要回头。不要哭。不要像电影里一样，想what if。 用力爱，努力活，去撕啊！ 奥斯汀有一睹涂鸦墙， 上面写着：love is the only magic。 相信爱情，就是相信人性。 我愿意相信。 后记4. 时隔半年再回头来看， 没有之前那么执着了。 对于感情，我很认真。我很忠实。我们也都努力过了。那就够了。 人生有什么大不了。 一定要呆在对方身边，为此放弃一切的感情也是可悲的。 要先爱自己，实现自我，才有能力感染别人，给你爱的人快乐。 真爱的确是一辈子的不离不弃。是有人要牺牲要妥协要承担要付出的。不是平白无故。 但对某些人来说，厮守在爱的人身边，放弃自己的梦想不顾，是不会真正快乐的。 逼迫对方放弃自己的梦想，厮守在你的身边，对方也不会快乐。 真正快乐的，是你情我愿。 是拉着彼此的手，看到更广阔的世界，更大的可能。 不是一句”来我家吧“， 而是，“我跟你走”。 不过，如果你有幸，遇见那个和你红尘作伴潇潇洒洒，喝酒谈天看星星大海的人， 已经是很幸福的事。 只是，不要赖社会，赖现实，赖缘分拆散了你们。是你们自己，拆散了自己。 没有拆散真爱的现实，只有不够爱的感情罢了。 别人都做到了。就别骗自己了。
7 ) 知道《爱乐之城》这89个梗，你就能了解大半个歌舞片史
歌舞片已经不像它们在上世纪30至60年代那样普遍了，虽然每隔一两年我们还是能看到几部，但这些屈指可数的歌舞片大都在原地踏步，已无法恢复鼎盛时期的天真与烂漫。此番《爱乐之城》能够脱颖而出，正是由于它返璞归真地采用好莱坞传统歌舞片的形式及法国导演雅克·德米(Jacques Demy)歌舞片的技法，去讲述一场通俗化的爱情故事。从服装、歌曲到编舞都在创造一种怀旧的基调，使人怀念旧时的歌舞片。不过它依然现代感十足，以免疏远当代观众。对于歌舞片的探索精神也延伸至故事层面，就像《艺术家》(The Artist,2011)的默片形式，《爱乐之城》是用歌舞片的子类型（包括：传统的米高梅歌舞片、华纳歌舞片、大爵士及当代的乐队片、演唱会电影）在各段落相映成趣，有传承，又能带出类型演变，拥有历史底蕴的积淀。它们同时又能服务于爱情主题，做到内外兼修。
导演达米安·沙泽勒深深知道如何保有过去的风格，还要朝前看。男主角塞巴正是这样一种怀念过去好时光的乐迷，与当代那些杰出的音乐家相比，他陷入了一个尴尬处境——沉迷于对传统爵士之中，无法自拔。片中组建乐队的塞巴同学（约翰·传奇 饰）对他说的那番话一语道破：“我知道，这不一样（指当代乐队），但你说你要拯救爵士，如果没人听，还怎么拯救？ 因为你这样的人，所以爵士才在消亡。你在灯塔咖啡屋对着90岁的老人表演，孩子们在哪里？年轻人在哪里？你执迷于肯尼·克拉克和塞隆尼斯·蒙克，这些人是革新者，如果你固守传统，怎么能成革新者？你抱着过去不放，但爵士讲的是未来。”这是话中有话，影片也在借爵士乐去诉说歌舞片的未来。当代歌舞片不该默守陈规，应当在维系传统的同时去革新，使人呼吸新鲜空气，带来希望与荣耀，才能拥有闪烁、活泼的生命力，这才是它们曾经深受欢迎的原因。
相较于其他类型，歌舞片可能是最喜欢谈情说爱的，不同的是角色们都是能歌善舞的好手。歌舞片也最仰仗公式化的创作套路，因此常被批评“幼稚可笑”。这种看法，显然错失了用歌舞展现故事的魅力。歌舞片难就难在控制故事与歌舞（音乐）的均衡，《爱乐之城》成功把歌舞融入故事，推动故事，替代对白。不过在当今，能唱会跳又会演的明星几乎为零，高司令和石头姐都是非职业舞蹈演员，所以只能表演简单的舞蹈动作。好在导演懂得用画面扬长避短，效果看起来仍然非常好了。尽管不少技巧在前作《公园长椅上的盖伊和玛德琳》和《爆裂鼓手》中也见过，但此番效果和语境已然不同。当然，洛杉矶的城市载体也很突出。
剧作上，用四季比喻爱情、事业的不同阶段，探讨个人对它们的妥协与坚持，以及它们的无法两全。两人其实是用爱情为彼此的事业（梦想）树立了信心。用悲剧收场，避免了传统歌舞片对于大团圆爱情的天真描绘，那只存在于童话中。最后幻想的大团圆结局是一面镜子，从现实抽离又关照着现实。用歌舞表现幻想、造梦是歌舞片惯用伎俩，可以弥补遗憾，道出梦想与现实的落差，加深音乐的治愈能量。
自古歌舞片就喜欢幻想奇景，因为多数时候，它们都是角色内心世界的外化。说到底，歌舞片的柔情梦幻与现实世界是格格不入的，这也是为什么歌舞片在60年代后期由街头巷尾走向高山草原，由矿场学校走向歌楼舞厅，部部大场面的自然主义歌舞片应运而生之后，逐渐走向下坡路。因为触及真实，便会把它原来的浪漫本性毁灭殆尽。所以现在我们在很多动画片中，并不觉得它们突兀的原因，如《冰雪奇缘》《海洋奇缘》《了不起的菲丽西》等。
我们都知道，《艺术家》并不能为默片带来复兴，《爱乐之城》当然也无法对歌舞片带来革命，它有的一种情怀。简单、纯粹，每个节拍（场）、每个鼓点（幕）都能敲中听者（观众）的心。让人进入一个美妙世界，忘却现实的种种，我想这就足够了。
当然，《爱乐之城》更是一场精心为歌舞片爱好者设计的迷影电影，编导还把自己对于爵士乐的一点小趣味也藏在其中，玩的不亦乐乎。影片在模仿前人的姿态时，还能延续其精神，迷影、复古又革新。下面回到我的常规套路中来，展开说一下藏在片中的陈年老梗。我已经在脑（掉）洞（影）联（袋）想的道路上越走越远了，然而（不止本片）很多都得到了导演本人的承认。
ps:我给桃姐的时候是82个梗，晚上梦游时又补充了7个，剩下一个留着你们补充吧，最好给我强有力的论证。
1.
首先，《爱乐之城》采用了古老的西尼玛斯科普式宽银幕立体声电影(Cinemascope)，这是20世纪福斯于1953年推出的银幕系统，银幕比例是2.55:1，电影《圣袍千秋》(The Robe)由此成为第一部宽银幕电影，后来各大公司对于宽银幕的竞争激烈（此处省略一万字），使得《谍报飞龙2》(In Like Flint,1967)成为最后一部西尼玛斯科普影片。算起来，《爱乐之城》还是时隔50年之后的回归。
“舞王”弗雷德·阿斯泰尔最后一部米高梅歌舞片《玻璃丝袜》(Silk Stockings,1957)有一首歌就调侃过：“这个时代想让观众进电影院光有明星已经不够了，还要有Technicolor、Cinemascope和立体声。”
《爱乐之城》用的是超35毫米胶片，配合潘纳维新 (Panavision)两倍压缩比变形镜头（左右略裁）仿2.55:1画幅。所以我们在片头看到的是“Presented in Cinemascope”而不是“A Cinemascope production”。开头的黑白+4:3“顶峰娱乐”的厂标结束后，画幅慢慢拓展成色彩斑斓的西尼玛斯科普式宽银幕，已传达了它的复古定位（国内院线版在“顶峰娱乐”之后还加入了香港某公司的厂标，实际上破坏了黑白4:3的过渡）。
2.~3.
影片纵向比较的参照对象是《艺术家》，理由上文已说明；横向比较是马丁·斯科塞斯的歌舞片《纽约，纽约》(New York, New York,1977)，那部片男女主角的身份是爵士乐手和歌手，同《爱乐之城》中爵士钢琴家、演员相似，同样围绕他们的爱恨交缠与人生困惑展开。其实，无论是百老汇音乐剧还是好莱坞歌舞片，都喜欢让主角在爱与工作中找寻幸福，两个目标交织在一起更是驱动剧情的动力。两部影片的共性还有很多，稍后再续。
4.~9.
开篇那场一镜到底的洛杉矶交通阻塞，据导演本人证实，是从戈达尔的《周末》(Weekend,1967)、费里尼的《八部半》(8½,1963)片头和乔·舒马赫的《城市英雄》(Falling Down,1993)片头找寻的灵感。
但是人们纷纷下车起舞歌唱，是在呼应雅克·德米歌舞片《柳媚花娇》(Les Demoiselles de Rochefort,1967)的开场部分，让歌舞场面具有临场感。这场戏也与德米的另一部歌舞片《瑟堡的雨伞》(Les parapluies de Cherbourg,1964)一样，所有对白都是唱出来的，好像他们生来就用歌声表达一样。仔细看能发现，这场戏的歌曲应该均为幕后配唱，这也是遵循《瑟堡的雨伞》的特点，演员不会唱歌，由幕后配唱。整场戏一镜到底（由三个镜头后期拼接而成）调度酣畅淋漓，充满活力。雅克·德米歌舞片就是将场景置于实景中，轻快、时尚、朝气蓬勃。当然，包括如嘉年华般的街舞、体操的融合，包括人们在车顶起舞，是借鉴了艾伦·帕克的歌舞片《名扬四海》(Fame,1980)。
导演一直都是雅克·德米的死忠，在其处女作《公园长椅上的盖伊和玛德琳》开场，就能看到《瑟堡的雨伞》的印记。
顺便说，米娅挡住了塞巴的去路，结下一个小小的梁子是典型的好莱坞神经喜剧(Screwball comedy)的开场套路，引出冤家男女的相遇方式。不少歌舞片也喜欢采取这种出场，比如《我爱马文》(I Love Melvin,1953)等。
10.
英格丽·褒曼是贯穿米娅灵魂的人物，米娅的卧室床边挂有一幅巨大的英格丽·褒曼海报，后被撤下。在导演2013年完成的原始剧本中，其实有更多关于褒曼的故事：
① 米娅公寓的海报对应结尾结婚之后新家的海报（正片中新家并未再出现）；
② 米娅和塞巴聊天时有详细讲过《美人计》中被褒曼表演打动的细节（正片只提到了她的姑妈小时候带她去看过很多老电影，其中包括《卡萨布兰卡》和《美人计》）；
③ 褒曼在DOS的第一次试镜，米娅给这个试镜做了旁白。
④ 播放《美人计》那段经典吻戏时，米娅念褒曼的台词与银幕上的男主角加里·格兰特互动。结尾米娅还说了一句：“Here I am crying for a dead actress I never even knew. That’s L.A.”
尽管正片中已经看不出褒曼这条线，但涉及她的点还是散落于各处。
11.
除去《纽约，纽约》，另一大致敬影片是《卡萨布兰卡》(Casablanca,1942)，这是导演有意为之的。它虽不是歌舞片，主轴却有共通之处。对白约有两次提到《卡萨布兰卡》，
当米娅向塞巴介绍华纳片场时，指着咖啡馆外的窗户说那儿曾是褒曼和鲍嘉拍《卡萨布兰卡》(Casablanca,1942)的场景。仔细看，还能看到窗下一家名为“Parapluies”的店铺（法文“雨伞”的意思），这里一定是导演有意为之，因为这又是一处小小的对《瑟堡的雨伞》的致敬，《瑟》片名也有“Parapluies”的单词，女主角家也是经营一家伞店。
《爱乐之城》最后20分钟充满深深的惆怅与遗憾，已经成家的米娅和丈夫偶然走进塞巴开的爵士俱乐部，他们各自实现了梦想，却与他们的爱情失之交臂。当两人的目光交织在一起，正是《卡萨布兰卡》情节的再现。“全世界有这么多城市，城市里有这么多酒吧（俱乐部），可她却偏偏来到了我这儿。”《卡萨布兰卡》中是里克夜总会，里克不得不对他的命运做出一次抉择；《爱乐之城》是塞巴爵士俱乐部，也通过臆想的方式做出了命运的另一版结局，它从现实抽离却又关照着现实，是一面镜子，映出梦想与爱情、现实与童话的落差。
12.
最后一幕的错过与遗憾，也令人想起《瑟堡的雨伞》的凄美结局——多年后，已嫁做人妇的女主角在加油站见到同样已婚的男主角，但他们只能相视以对，默默离开。
13.
塞巴和米娅的约会电影是《无因的反叛》(Rebel Without a Cause)，后来米娅提议去葛瑞菲斯天文馆，不只因为可以在馆内看到“繁星”（呼应主题曲〈繁星之城〉），更因为那是《无因的反叛》高潮戏的发生地。在影院看电影那场戏，刚好演到《无因的反叛》天文馆一幕。
14.
石头姐和高司令之前拍《匪帮传奇》(Gangster Squad,2013)时，也有在葛瑞菲斯天文台拍过一段感情戏，不过最终成片被删掉了，可以在蓝光碟的删除片段里找到。对比看来，颇有前世今生的感觉。
15.
男女主角都穿过红夹克，红夹克也是《无因的反叛》中詹姆斯·迪恩的经典行头。迪恩在片中演一个反叛青年，那件红夹克可以说是年轻、反叛的象征。影片似乎有意把英格丽·褒曼视作米娅的精神符号，把詹姆斯·迪恩视作塞巴对于老电影的一种精神符号。在《爱乐之城》开始，米娅经过好莱坞大道旁的《You Are the Star》壁画时，里面也有一个穿红夹克的詹姆斯·迪恩。
16.
“繁星"在《无因的反叛》中的天文馆中也有出现
17.
在星空共舞的设计灵感出自《百老汇旋律1940'》(Broadway Melody of 1940,1940)中弗雷德·阿斯泰尔与埃利诺·鲍威尔共舞的场面。百老汇舞台的美术置景仿若星空， 两人轻盈无瑕的舞姿更是置身星空。
18.
另外，需要知道的一点是——导演达米安·沙泽勒和摄影指导莱纳斯·桑德格伦(Linus Sandgren)都是伍迪·艾伦的粉丝（我甚至有理由怀疑导演可能也是单簧管手伍迪·艾伦的乐迷），这部电影你能看到很多深受《曼哈顿》(Manhattan,1979)影响的桥段。包括两部片对于城市和爱情的描绘，让人感觉鲜活无比。
《曼哈顿》有一场戏就是伍迪·艾伦和戴安·基顿为了避雨躲进一个天文馆，有场对话戏也是在星空的背景前展开。
19.
“冬天”之前那一幕，两人气定神闲坐在格里芬公园的长椅上，发现从未停下来欣赏过白天的景色，这又是一处致敬伍迪·艾伦《曼哈顿》的镜头，那里面伍迪也说从未真正欣赏过这里的风景。
20.
再说飞天戏，伍迪·艾伦的歌舞片《人人都说我爱你》(Everyone Says I Love You)中也有歌蒂·韩腾空飞舞的镜头，不过两部片的最大共同点，恐怕还是用四季来代表叙事篇章了，只不过《人》没有明确用四季的标题来区别，但《瑟堡的雨伞》是分标题讲故事的。
21.
云层之上牵手共舞的场面可参考的对象是巴兹·鲁赫曼的音乐、歌舞片《红磨坊》(Moulin Rouge!,2001)。
22.
星空中的翩翩双人舞是迪士尼动画片《睡美人》(Sleeping Beauty,1959)的再现。
23.
米娅和赛巴踱步到山上时，赛巴抓着灯柱开嗓无疑是《雨中曲》(Singin' in the Rain,1952)中金·凯利唱着《Sing'in the Rain》在雨中绕着路灯起舞的画面，就差手里拿把伞了。
《雨中曲》两年后，另一位主角唐纳德·奥康纳在歌舞片《我爱马文》又照搬了这个动作。
路灯是好莱坞歌舞片的常见元素，即便进入60年代，由舞台走向了真实世界，路灯依然是经久不衰的布景、道具，无论是60年代的《电话皇后》(Bells Are Ringing)还是70年代的《纽约，纽约》。
24.~29.
《爱乐之城》山上的双人舞明显致敬了米高梅“舞后”和“舞王”——金姐·罗杰斯与弗雷德·阿斯泰尔，（费里尼的《舞国》(Ginger e Fred,1986)就是以他们俩为原型拍摄的），在导演的原始剧本中也是这么描述的：“dissolving into a Fred-and-Ginger-style dance”。金姐和弗雷德是统御30年代的歌舞搭档，他们从1933至1939年间，合作九次，十年后又又一次。他们主演的歌舞片，从剧情、歌曲到视觉韵律，完全随二人悠然自在的银幕人格达成。
《爱乐之城》这场舞遵循两人舞蹈场面的特点，用一镜到底的长镜，任由摄影机单纯跟随舞步，甚少使用面部特写，以便完整保留流畅的肢体动作。不过由于高司令和石头姐舞蹈功底不高，所以只好用慢舞呈现。
真正比较起来，金姐与弗雷德主演的《礼帽》(Top Hat,1937)是与之最接近的，其一，他们在中跳完这支舞后，才“化解”了之前结下的“小梁子”；其二，这场舞曾被雷声打断了一小下，而《爱乐之城》最后是被手机铃声打断。
公园和路灯的主场景又如《蓬车队》(The Band Wagon,1953)里的复刻，这两部老片梗也是得到导演本人承认的。
那个经典表情“土豪，我们做朋友吧”就是出自《蓬车队》。
高司令和石头姐在海报上这个动作，颇像《黄金梦》(You'll Never Get Rich,1941)中弗雷德·阿斯泰尔和丽塔·海华斯的剧照（注意，是剧照，与正片有所出入）。至于米娅的黄裙能在百老汇歌舞剧《一个美国人在巴黎》和法国歌舞片《伦巴》(Rumba,2008)觅得踪迹。在此特别介绍《伦巴》主创合作的所有影片《仙女》、《伦巴》、《爱上冰山的女人》，都是非常棒的带有歌舞色彩的喜剧。
米娅和塞巴坐在长凳上的舞步，比较接近的是金姐与弗雷德在《伴我婆娑》(Shall We Dance,1937)中经典旱冰舞的前奏小热身。
30.
弗雷德·阿斯泰尔被誉为“舞王”，你能在《爱乐之城》中找到他多部作品的影子，帽子和拐杖（或棍子）是弗雷德的经典道具。塞巴在码头拾起一顶帽子，归还前用了几个简单的动作，这正是弗雷德帽子舞的入门级。帽子是弗雷德的符号，并没有明确的电影指涉。
31.~32.
米娅的女室友段落，如《油脂》(Grease,1978)+《巴黎之恋》(Les Girls,1957)中的女室友段落。
33.~37.
米娅和室友们共舞，她用窗帘围在身上做出一个女神打扮，60年代经典歌舞片《西区故事》(West Side Story,1961)里的娜塔莉·伍德也用一条绸布裹在身上，扮演女神。
其中一名女室友的扇子舞来自《花鼓歌》(Flower Drum Song,1961)，这是好莱坞屈指可数的以中国人为题材的歌舞片，片中除展现南方的花鼓歌之外，还有扇子舞。实际上，片中只出现了黄白相间的折扇，蓝色这把只存在于海报封面。
远处餐厅位置的黄色海报并非《雨中曲》的某款海报，它是广告绘画之父卡皮耶洛(Leonetto Cappiello)的广告画《伞下的狂欢》(Parapluie Revel)，比《雨中曲》还要早。值得注意的是，法语"Parapluie"这个单词再度出现。
米娅和室友在大街上翩翩起舞，对应的是60至70年代的歌舞片大拿鲍勃·福斯的《生命的旋律》(Sweet Charity,1969)中天台那场戏。《爱乐之城》这场戏的优势在于色块的运用明亮饱满，编舞具有冲击力，且不失俏皮活泼。不过鲍勃·福斯对于《爱乐之城》并没多少影响，他的歌舞片多是将歌舞与故事分离，除了《生命的旋律》，他也并不擅长用色。鲜艳着装是雅克·德米歌舞片的特点，他以各种鲜艳的颜色去妆点角色，单从颜色就已经做到赏心悦目。
威廉·克莱因在纪录片《百老汇之光》(Broadway by Light,1958)里拍摄的夜色中的霓虹灯光给人留下了深刻的印象。许多老电影在表现舞林酒池、声色犬马的场面时，也喜欢用这种霓虹灯的色彩与角色的行为进行叠化，这是一种惯用手法，老马的《纽约，纽约》里也有这种镜头。之前有国外网友剪的视频里指出这里对应的是《雨中曲》，我认为是不恰当的。
38.~41.
米娅那条黑色紧身长筒裤+白袜+黑鞋的造型，是《甜姐儿》(Funny Face,1957)中奥黛丽·赫本的经典款式。
米娅在独幕剧中穿的黑西装联想起《一个明星的诞生》(A Star Is Born,1954)中朱迪·加兰演出歌舞剧时的那身。话说朱迪·加兰的女儿丽莎·明奈利也是鲍勃·福斯超级无敌牛逼歌舞片《歌厅》(Cabaret,1972)的女主角，石头姐可是演过百老汇版本的《歌厅》。
塞巴在片头、片尾两次身着咖啡色西装，应当还是参考了《瑟堡的雨伞》中男主角在中后段的那身服装。咖啡色也符合塞巴这个“怀旧人士”的象征。
米娅与塞巴有次夜晚散步，穿了件粉长裙，也借鉴自《瑟堡的雨伞》中女主角的长裙，尽管款式不同，但颜色和领口设计却极为统一，且同样出现了相似的构图和走位。
42.
米娅与塞巴相爱后的第一场戏，她在写自己的独幕剧，剧中角色叫吉娜维芙(Geneviève)，此名正是《瑟堡的雨伞》里女主角的名字。感谢@汽车大师 告知，一度以为这是写信……
43.
塞巴在餐厅里演奏的音乐是耳熟能详的圣诞应景歌"We Wish You A Merry Christmas"和"Deck The Halls"，在导演的原始剧本中写的曲目是《银色圣诞》(White Christmas)，出自老一辈美国观众都曾看过的经典同名圣诞电影的主题曲。不过现在正片中用的两首更能俘获年轻观众，也更有喜感。
这家餐厅是在WB studio lot附近的Smoke House拍的，历史悠久，和好莱坞的联系也很深。大本的《逃离德黑兰》(Argo,2012)也有在这儿取景。
44.
塞巴带米娅去听爵士乐那场戏，是向上世纪50年代的大爵士电影致敬，尤其像极了《葛伦·米勒传》(The Glenn Miller Story,1954)中摇摆爵士大师葛伦·米勒带妻子去听路易.阿姆斯壮（由本人亲自扮演）的音乐一幕。
这场戏与之后的演唱会（炫目的灯光、躁动的观众）一幕戏形成对比，同时带出音乐类型片的演变（也就是现在的演唱会纪录片），暗示爵士乐时代的一去不复返，更加阐明了约翰·传奇那番话的精髓：固守传统，怎么能成革新者？（想来我这种“老片痴影患者”也是如此吧……）
另外，60至80年代带有清新活力的音乐片（披头士、猫王的音乐电影和之后的乐队电影，导演初始剧本中描绘的是80年代风格）在片中也有出现（上图一幕），他们用流行歌曲丰富文化内容，为一成不变的歌舞片带来一股新风，对于音乐电影的革命也是标新立异的。
45.
很多影片都有通过背景墙的色彩变化来表现人物，金·凯利在歌舞片《一个美国人在巴黎》中也用过，戈达尔在《蔑视》(Le mépris,1963)中的使用保持了动作的连贯性。
46.
塞巴家的夜戏几乎都是全绿色的室内戏，包括两人的第一次情感转折戏，是通过霓虹灯透过窗帘来营造效果。这显然是从希区柯克的《迷魂记》(Vertigo,1958)那里学来的，《迷魂记》中的酒店外拥有巨大的绿色霓虹灯，透过细孔窗帘映射在朱迪的房间中，使整个房间弥漫绿光。最经典的一场戏，当更衣后的朱迪走出浴室，视觉上感觉她变成了玛德琳，沐浴在朦胧的绿光下，如梦幻柔软的回忆，而史考特也在此时退出他的浪漫幻想进入现实。在《爱乐之城》中，绿色霓虹灯也突出了一种朦胧的美感。
（托朋友专门向导演进行了求证，导演的解答是：对，对，绿色的霓虹灯光从背景打过来。那其实是一个临时的主意，Lina，我们的摄影师想要这样一个致敬的镜头。这也说明就算在那样一个情感上非常现实的场景，你也想要一点点魔术，一点点老派好莱坞，整部电影的各个方面，都是这个来一点，那个来一些，保持一个混搭的状态。）
47.~54.
《迷魂记》中的旋转多圈接吻镜头已经影响了不少影片，《爱乐之城》臆想部分的的开始段落也使用了该手法，只不过它的转速要比《迷魂记》快许多。
臆想段落中的红色舞厅是参考自《瑟堡的雨伞》中的舞厅，这里是水手流连的地方，注意左边那根柱子也得到了保留。
通过小号转变的半圆黑洞，是参考自《一个美国人在巴黎》中的塞纳河畔的场景，半圆黑洞即桥洞。
臆想部分的歌舞串联，出现了法国片《红气球》(Le Ballon Rouge,1956)中手持红气球的男孩身影。它并不是歌舞片，可能只是导演的个人喜好，不过影片讲述的是一个男孩发现一个红气球，它仿佛有生命，在它的带领下，男孩走过巴黎的大街小巷。影片充满超现实的风格，让人联想到保罗·克利以及杰昂· 米罗等画家的作品。所以放在《爱乐之城》臆想段落中，同时搭配艺术布景和巴黎的背景。
这场戏还有一位水手形象，水手可是歌舞片的常见角色，无论是弗雷德·阿斯泰尔（《海上恋舞》(Follow the Fleet,1936)）、金·凯利（《起锚》(Anchors Aweigh,1945)、《锦城春色》(On the Town,1949)）还是雅克·德米（《柳媚花娇》）歌舞片或多或少都有水手的形象。
《甜姐儿》(Funny Face,1957)中奥黛丽·赫本在凯旋门前的七彩气球也有出现。在形式方面颇有风格，服装以及摄影上鲜艳的色彩运用令人印象深刻。
后台入口这个洁白空旷的大舞台，是《雨中曲》中两个元素的结合。
这场戏的舞台是典型的米高梅歌舞片的场景，并没有明确的电影指涉。值得一提的是，该场景在男女主角之前参观华纳片厂6号棚时已有出现（包括路灯、地球仪），所以说电影是造梦的艺术，而梦又是来源于现实。
55.~57.
剪影效果重现了试镜一段，这是舞蹈指导巴斯比.伯克利(Busby Berkeley)在《1933淘金女郎》(Gold Diggers of 1933,1933)中的独特烙印。之前曾介绍过巴斯比（可跳转至：请您欣赏：肉山人海万花筒），他除了具有用摄影机运镜把团体表演转化成部队操练的本事外，最厉害的就是能将极具创意的摄影技巧融入舞蹈形式中。而男女主角的剪影最后相拥的镜头出自《广告员》(The Hucksters,1947)中盖博和寇尔的剧照（正片中并无）。
另外??
8 ) 爱乐之城不是深刻的影史杰作，它是能触碰到心灵伤口的酒精棉球
仔细想想，虽然爱乐之城的呼声最高，但是没有拿到奥斯卡也不难理解。上一次拿到奥斯卡的歌舞片还是14年前的芝加哥，对比芝加哥针针见血，拳拳到肉的辛辣讽刺，爱乐之城还是太小品了一些。
更何况奥斯卡最佳电影酷爱探讨生命，尊严，少数族群，宗教，地域矛盾等深刻议题，而两个青春大好，家底殷实，身怀技艺，面目清秀的白人小儿女在梦想与爱情之间的那点抉择，也实在很难称得上分量。
我完全不觉得爱乐之城是一部伟大的电影，但个人真的很爱很爱。奥斯卡颁奖礼后就进入影史故纸堆的深刻严肃作品还少吗？但爱乐之城，我是可以反复看上几年的。
第一印象的好感来源于两位主演。
第一个把两位主演Emma Stone（石头姐）和Ryan Gosling（高司令）组成情侣档的人简直是天才（虽然这是他们第三次合作了）。
这个情侣档的搭配堪称完美。身高搭，体态搭，气质搭，甚至发色都搭。
石头姐的代表性角色基本上都是外表有点小风骚的知性美女，总会附加一个体面的背景，比如律师，差点成为律师的演员，市长女儿等。
高司令的代表角色是人格强大的文艺男青年。他演的花花公子都有一整套服务到位的泡妞流程，他演的才华横溢的钢琴家梦想是一步步拯救Jazz。总之，这个文青，他绝非俗物。
所以这两个擅长饰演知性和文艺角色的演员搭档起爱情片来，非常火花四溅，相较于上一波的爱情片巨星们，少了一份甜腻，多了一份清新。
石头姐是个神奇的演员。她拥有一双大到惊人的眼睛，和及其舒展纤细的骨架，这帮助她拥有了演员的很多个层次。当她淡妆特写的时候，她是个眼睛过大，五官有硬伤的普通少女；当她浓妆特写的时候，她的雪肤红唇中和了眼睛的比例，她看起来是个艳丽的美女；当拍到她的半身的时候，优雅的脖颈，性感的锁骨和完美的肩部线条，又让她成为一个大美女；而拍全身的时候，她伸展纤细的四肢和完美的肌肉走向，让她成为一个优雅灵动的女神。一重又一重，这种冲突感，就是演员的苗子。
所以Mia这个角色简直是为石头姐量身打造。她需要用普通青年的喜悦哀伤和支离破碎让观众共情。她也需要在必要的时候变身大美女，这样男女主角的爱情故事才更让人信服。最后，她还得成为大明星。五年后那场戏，导演拍了她从车上下来买咖啡，只拍了她的体态，仅从她的腿，背影和腰身，观众也能知道，她成名了。换了别的演员，这一系列的丰富的层次和蜕变不会如此有说服力。
我们来看，
怎么把石头姐变丑（拍成悲伤蛙）？突出她的超级大眼，用宽袍大袖遮住颈部和肩部线条。
怎么把石头姐变美？拍半身，露颈露肩穿纯色剪裁流畅的衣服。
怎么把石头姐拍成女神？低机位拍全身，穿裙摆到膝盖上边缘的短裙。
高司令也是一个气质大于美貌，骨架大于颜值的人。高司令童年时是迪斯尼童星，出身于“米老鼠俱乐部”（同时诞生了Britney Spears，Christina Aguilera 和Justin Timberlake等一群偶像），童星出身难免经历转型阵痛，尤其是20出头时的高司令相貌平平，而童年玩伴们外形靓丽早已大红大紫席卷全球。虽然光彩熠熠的童星和备受瞩目的演员新星之间隔了十几年，但出道够早的高司令红的也不晚，24岁凭借《恋恋笔记本》一鸣惊人，26岁凭借《半个威尔森》提名奥斯卡影帝，和希斯莱杰并列最年轻影帝提名者。
不知是否是这段经历的影响，他身上有一种不招人反感的自信。他成为明星的银幕魅力也来源于此。他身上糅合了不被赏识和理解的落魄感（也可以说是文艺气质吧）和自知绝非池中之物的强大人格。
他在《恋恋笔记本》和《爱乐之城》里演穷小子的时候没有看低自己的“屌丝感”，在《疯狂愚蠢爱》里演花花公子的时候也没有猥琐和油腻，反而有点孤独忧郁的气质。
另外所有爱情电影的男主角们都应该好好向高司令学学怎么演出深情。相较于无数邪魅狂狷的霸道总裁们，眯起眼睛装犀利，用充满攻击性的方式来告白，高司令演出深情的方式是微挑眉毛，表现出孩子般的童真。配合他的蓝眼睛，形成一种很专注，卸下心防的效果。
缺点是，相比较之下，高司令的表演虽然放在正常的剧情片里合格，可是在歌舞片里显得太含蓄了。歌舞片是需要夸张效果的。
要知道歌舞片里随时可能唱起歌跳起舞，如果演员塑造的氛围是正剧气场，那突然开始歌舞得有多尴尬？所以石头姐的悲伤娃表情，在花瓣飞舞的街道上奔向电影院，面试独唱等等环节，放在一个剧情片里，100%太做作了，但是在歌舞片里是绝对的加分项，撑起了整个电影的饱满氛围。
石头姐相比高司令在颁奖季的表现更优秀，也是因为《爱乐之城》总体效果上歌舞片的范er特别正，除了歌舞本身在水准之上，石头姐的演出占了一大半功劳。
不得不承认，歌舞片的黄金时代已经永远地过去了，它永远也不会复兴，但也永远不会消失。甚至每隔几年还能再遇佳作。
看过雨中曲的朋友们一定记得，当时正值电影从无声片到有声片的过渡时期，男主角唐的新电影遇到了很大的冲击，女主角琳娜提议，为什么不拍成歌舞片呢？
这就是歌舞片最初的动机，也很大程度上解释了，为什么歌舞片在上世纪五六十年代兴盛一时，到了六十年代以后又急速衰败。歌舞片代表了电影从无声世界，迈入有声世界的时候，用声音玩出的第一个特效类型。
而受限于技术和成本，当时的视觉特效几乎玩不出什么花来。到了六七十年代以后，情况就不一样了。动作片，科幻片，魔幻片，漫改英雄片，开始层出不穷，歌舞片作为一种最早类型的电影奇观，已经渐渐不具备作为电影工业中流砥柱的资格了。
从现代观众的角度来看，歌舞片当剧情片看太闹，当特效片又太没看点，它永远回不到那个黄金年代了。可是唱歌跳舞是人类最重要的两种娱乐方式，在歌舞片掉线的这些年里，音乐和舞蹈一直都是在发展的。歌舞片始终不缺最好的素材。
所以你看，
改编一下最成功的百老汇音乐剧，就有了《芝加哥》《悲惨世界》《歌剧魅影》
混个经典流行歌串烧，就有了《红磨坊》
套上乡村音乐的人物传记，就有了《与歌同行》
拍成迪斯尼动画，就有了《冰雪奇缘》
只要有戏剧感，舞台感强，情绪饱满夸张的剧本，配合好音乐，就可以有好作品，更不用说，每过几年，人们内心那个唱歌跳舞的角落痒起来，歌舞片就可以小小的回春一把。
歌舞片的长处是善于做情绪渲染，要比一般的剧情片更容易感性上打动人。
安妮海瑟薇演的芳汀的悲惨悲惨，用一首《I dream a dream》难道不胜过千言万语？
如果没有《Let it go》，Elsa的自我觉醒会这么鼓舞人心吗？
芝加哥里，Roxy一边唱着蛇蝎诱惑的《funny honey》一边让丈夫为她頂杀人罪，这样的讽刺效果剧情片能够轻松达到吗？
但歌舞片也有两大雷区。
一类是歌实在太难听（《魔法黑森林》：？？？）
还有一类是言之无物，为了歌舞而强行剧情。
说到这里不能不讲一讲爱乐之城的故事。爱乐之城是一个歌舞和剧情搭配合理的正确示范。
爱乐之城的故事，非常简单，但它在爱情片里也算独树一帜。
2017年，个人意识高度觉醒的年代。爱乐之城探讨的就不仅仅是爱情里的风雨波折了，它把一个过去被糊弄过去的问题拿出来探讨：“个人意识”和“情感联结”孰重孰轻？
传统的爱情片，一定是要happy ending的。男女主要么出身显赫，不愁生计（你看紫菱结婚后可工作过一天？）；要么爱情与人生发展总能高度匹配，仿佛事业是爱情闯关中随机掉落的战利品；要么随便努力努力，加一段配乐快剪就登上人生巅峰了。太过童话。
如果是剧情片，十有八九是苦大仇深，高度写实，爱情身上遍身的凡尘烟火，已经不存在让人在电影院里脸红心跳的粉红泡泡。
爱乐之城画龙点睛的结尾就把两者做了结合，获得了两者加成的效果。如何能让爱情电影既不烂俗，又能讲出happy ending？先让男女主角因为不同的人生追求而分开，再在重逢的时候在女主的脑海中把两人的爱情故事重剪，所有的不愉快和纷争，全都修复，所有的快乐和和睦，全部加倍。
这种时空胶囊式的超现实拍法一点也不新奇。很容易就可以回忆出很多，《末代皇帝》里日暮西山的溥仪在龙椅座位里找到了当年的蛐蛐盒子，打开盒子，一只活蛐蛐爬了出来，好像几十年的改天换地不曾发生。《泰坦尼克号》结尾时露丝在梦中重回床仓大厅，所有乘客全都活了过来，满脸喜悦地祝福她和依然少年面目的杰克……
但爱乐之城无疑是耳目一新的，因为它是歌舞片，它可以把这一幕表现的极尽夸张，而且越夸张越美好，我们的心越痛，因为我们这一刻潜进了Mia的心里，最后的十分钟里所有的恢弘，欢乐，深情，温馨都是假的，是我们此生回望，可忆而不可追的美好。
一句简简单单的以乐景衬哀情，借着歌舞片的抒情优势，被发挥到了极限。
电影结束后，有人议论为什么他们不能努力顾全梦想和爱情呢？因为梦想对专注的要求如此之高，而爱情对陪伴的要求如此之高，两者几乎天生相斥。
那么，若难以两全，你选择什么？
我相信，很多人选择了梦想。爱情是甜蜜的糖，梦想是果腹的面包。若是没有糖，我们的生活只会暂时地果然无趣，而如果没有面包，我们可能一天也活不下去。
可这不代表放弃了爱情的我们是无心肝的渣男浪女，曾经做出过，或者隐隐担心作出这些选择的我们，心里也有深深的内疚和自责。
为什么电影院里许许多多的观众会在色彩明亮，音乐欢快的结尾里痛苦流涕？
我想龙应台在《四郎探母》里说透了，
“文化，或者说，艺术，做了什么呢？它使孤独的个人为自己说不出的痛苦找到了名字和定义。
艺术像一块蘸了药水的纱布，轻轻擦拭他灵魂深处从未愈合的伤口。
艺术使孤立的个人，打开深锁自己的门，走出去，找到同类。他发现，他的经验不是孤立的，而是共同的集体的经验，他的痛苦和喜悦，是一种可以与人分享的痛苦和喜悦。孤立的个人因而产生归属感。”
那是一种共情在联结。我们终于在银幕上读到了导演为年轻人在爱情与梦想的选择中，吟唱出的悲天悯人。那一刻，在尘世中颠沛流离，梦想与爱人，终难两全的我们，感受到了理解的带来的感动和温情。
就像蝴蝶飞不过沧海，又有谁忍心责怪。谢谢你，爱乐之城。
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本年度最被高估的片子就是La La Land了 一个八五后导演的野心之作 可惜阅历不足 剧本各种尴尬俗套 各种故作姿态 浪费了两个优秀演员的表演
不过是一个很俗套的故事。复古还真的一点都没看出来，把洛杉矶拍得像instagram旅游号，高司令从头到尾一副刚睡醒的样子，和那些经典音乐剧电影比起来缺少太多质感。现在连卖给少女的春药都是那么的廉价。
我们那些曾经错过的美好人生啊……
预告片里说得没错，已经没有人在拍这样的电影了。即使不是年代戏，手法和色彩运用也极具年代感。满足了外人对这座城的一切幻想，又为身在洛杉矶的人拍出了这座城会让你遍体鳞伤的事实。他是真的很爱洛杉矶。 在洛杉矶看La La Land真的是太奇妙的体验。很特殊的感情。
各自梦想实现之时，发现梦想似乎不那么重要了。假如可以重来，我会在第一次见面时吻你，推掉工作来看你的第一次表演，随你搬到巴黎去，巴黎也有好的爵士乐，在把孩子丢给保姆的夜晚，开车带你去吃饭，然后一起走进酒吧，听别人弹奏我曾经做梦都想弹奏的曲子。可惜，现实中没有如果，但电影和想象里有！
感情戏想到的是《阿黛尔的生活》，更猛的是那段“回忆杀”，直接串到《泰坦尼克号》片尾重逢，《艺术家》式对经典的致敬天衣无缝。用音乐和歌舞串起所有往事，假如…或许…可能…梦想与现实冲突的拉城，却让心灵相契的人拥有最美的回忆。2016年度最佳！
年度十佳！最后在情字上找到了一个引人共鸣的点，人生就是一个不断追逐梦想的旅程，在某个时间点上，一个人遇到一个人，他们一起成长，相互鼓励，有美好，有痛苦，有成长，有遗憾，这就是人生。导演非常成熟老道，不仅有野心，也有足够的才华，歌舞元素几乎就是整个歌舞片的发展史，适合迷影爱好者。
十年前一部恋恋笔记本，十年后一部爱乐之城。说的都是错失的梦想和爱情，演的都是浪漫的不着调男文青和性格张扬又复古风格的美国小妞。今夜愿你们都与爱人共舞，永浴浩瀚星河。
验证了语文老师的话：只要开头结尾精彩，中间无所谓。
今年最浪漫唯美的爱情电影，很多段落让人有重温“雨中曲”的感觉。是爱乐之城，也是星光之城，还是梦想和现实缘起缘灭的地方。事实证明有个好的结尾多么重要，它让原本平淡无奇的叙事一步登天！多一星给石头，明年奥斯卡影后坚决站定你～
最后两人一吻上，眼泪就完全止不住，最后一直是痛哭。那段蒙太奇展示的就是电影的魔力啊！生活给不了的，电影可以给你，是那么浪漫、那么神奇的情感再现，最佳的电影造梦时刻。而至于理想、爱情、迷影、歌舞片、怀旧等等其他元素和小技巧反而可以放在之后了。最感慨的仍是电影的魅力，做一场电影梦吧！
最动人的永远是梦想和爱情。但我们没有在一起，这就是现实。
前一个半小时都在出戏 从5 years later之后才有点感觉 觉得想找布达佩斯大饭店的画风失败 想找伍迪艾伦的文艺失败 想找宝莱坞电影一言不合就歌舞失败 唯独成功是最后的平行世界桥段 算是能赚观众一点同理心
二刷。又悲傷又溫暖，藝術互相影響生命。最後一幕用一場夢、一場電影彌補愛情的遺憾尤為動人，二人因對藝術的喜好相識相知，互相影響、鼓勵、成就彼此的夢想，感情雖沒有開花結果，卻在各自生命留下不可抹滅之印記。哭著離場。
同比《纽约，纽约》类比《艺术家》，返璞归真用音乐、歌舞片形式讲述一个通俗化爱情故事，主要技法登峰造极。串联影史不同音乐、歌舞类型分支（米高梅、金姐弗雷德、大爵士、雅克德米及当代乐队片、演唱会电影）在不同段落相映成趣，既是传承又带出类型演变，复古又革新，且能升华爱情主题，内外兼修。
这部电影有多好呢？想象这样一个场景：二十年后的一个傍晚，你开着车(或者车载着你)在回家的路上，突然扬声器里开始放起这首电影里的旋律，听到第一个音符的一瞬间，所有的情绪全都涌上来，就好像二十年前的那个夜晚你第一次听到它们的时候那样。
你可以无限接近电影，当演员，写剧本，挨着英格丽·褒曼的照片睡觉，在《卡萨布兰卡》的阳台外上班，但生活永远不会成为电影。梦醒时分你看着与你共浴亦真亦幻的泡影中人，转头，微笑，离开，这或许是人生最像电影的一刻。
我们在穷困潦倒时爱得一塌糊涂，却无法在各自功成名就时手拉手出门散步。
看這部片會想起的那個人，一定是忘不了的
分开以后，生活中我们未必会再相遇了，但在记忆里，我们都还很年轻，我们坐拥无限可能，敢说爱，敢说永远。其实啊，有过，才是永远。谢谢你啊，把我变成了更好的人。祝我们各自幸福。