冰淇淋与雨声

电影结尾时，所有演员站在舞台前，面向观众，就像正式的春节联欢晚会结尾，那样告别。如果你坐得足够靠前，画面中的前排座椅，会无缝衔接到现实中资料馆的座椅。这种惬意突破次元壁与视角的时刻，实在是经典的电影高潮时刻。但是，却被导演打断，画面中的演员结束谢幕，互相庆祝，脱离了戏中状态。镜头也摇晃起来，介于一种废镜头与花絮间的状态。或许这就是导演铺垫整场的“我对纯粹的电影和话剧不感兴趣，我关心的是介于两者之间的东西”，戏剧在谢幕后结束，电影在cut后告一段落。但是不暗下来的废镜头画面却依然直播着演员们的生活，心愿得偿，获得认可，拥抱庆祝。话剧结束后依然是表演，电影结束后依然有记录。这种中间状态，需要发挥导演浪漫的人生观来寻找：吃着冰淇淋，便是你的电影高潮，听着雨声，就是你得到的掌声

《冰淇淋与雨声》是十多岁会喜欢的电影。它追求实验，仿佛无限回旋的阶梯，或者是镜中镜，探索无数次映射之后留存的真实。故事取材于导演和演员们舞台剧演出夭折的真实经历，演员全部采用真名演出，又采用戏中戏的形式，一镜到底的拍摄手法愈加模糊了现实、戏、戏中之戏的边界，是一场大型的以现实为对象的艺术实践。

它具有舞台剧的特质，它讲的也是舞台的故事，这是先锋的、在舞台与电影交汇处的探索。整部电影就是一个长镜头，摇晃的、连贯的镜头，需要舞台剧般一气呵成的情绪。电影镜头的调度、镜头的远近又让视角移动、聚焦，令人拥有一种奇异的在场感。整个观影体验是全新的，颠覆性的，甚至让人微微地不适。

故事中心非常简单，讲述的是一群年轻人如何不畏挫折，追求自己的舞台梦。更确切地说，是当自我意识觉醒的年轻人，下定决心要将内心的冲动变成现实时，内在世界与外在世界如何发生碰撞。青春埋藏了太多危机四伏的种子，如戏中戏里盘旋与三人之间的微妙情感酿成的杀人案，如逝去的母亲让一切跟之前都不一样了，如内心的愤怒让人幻想炸掉这一切。所有的危机被放在了戏中戏里，戏中戏让这个略显无聊的追梦故事更加立体了。

追梦故事，这就是为什么说这是十多岁会喜欢的电影。它的立意未免有些单薄，甚至扁平。当作为旁白与补充的摇滚歌手开始咆哮的时候，尴尬开始蔓延。它像那种颇有才华的学生导演的先锋作品，充满了缺点，和毛手毛脚的探索。然而它因青涩而显得真诚，因一种不加掩饰的野心勃勃，而显得格外可爱。

我想，这不仅仅是一部导演和编剧的作品，而是所有演员与导演一起最大限度参与了创作的作品，它所展现的是他们对于艺术与现实的观点。艺术与现实难以区分，在戏中饰演演员的演员们随时随地就可以演起来，以这种行动他们表明，艺术是一种生活实践，舞台上的他们同时也是生活着的他们。

其实，在整个观看后期已经有点厌倦，然而最后一幕竟然令人有些感动。当所有的演员站在舞台上，面对空无一人的观众席，电影到这个时候就结束了，除了它没有，以纪录片的方式又进行了几分钟。电影结束了，站在舞台上的演员松弛下来，完成了一种身份的转换。这种转换如此自然，”咔嚓“，某种东西断裂了，什么东西还在继续转动着，我们从戏中的空间坠入现实的空间，这时我们看到了创作人员本身。戏与现实区分，戏与现实不分，究竟什么是戏，什么是人生？

我喜欢电影中的一句话：人是有意识的宇宙。因此人要表达，创作，并且被看见。在僵死的、无聊的重复和重复的无聊的篇章中，我渴望看到真正的人与真正的表达，这才是真正的文艺。

【清存货行动】第一次看一镜到底的影片。

影片好像没太看懂，或许是青春对梦想的执着，不管怎样，最后还是站上了舞台，虽然没有观众，没有掌声，但站上了舞台，那就行了，那份热情被保存，那就够了。丧丧的，但对未来还是很有希望。很喜欢最后的rap独白和片尾曲「遠郷タワー」的词：

億千万のため息を吸い込んで、希望の言葉に変えて吐くんだ。億千万の涙を飲み干して、決意の言葉に変えて吐くんだ。億千万の雨風に流れ、億千万の花が散る。それでも、一回きりの人生に命をかけて、命を描け。心の中に咲いた花の名は火花。生きてる限り叫ぶ花言葉、命をかけて、命を描け。

時間は、時間は全部解決してくれる。失恋も屈辱も後悔も全部時間が解決してくれる。今までだってそうだったの。憎しみも痛みも苦しみも、ついにはいった夢も、やいたがったことも、譲れなかった思いも、全部時間が解決して、なかったことにしてくれる。それでいいんだ、それが楽なんだ。それでいいはずなんだ。だけど、俺は、やっぱり嫌だ。やっぱり嫌だ。だって、それは俺のだ。だって、それは、格好悪くとも、みっともなくとも、それは俺のだ！返せ！返せ！時間に解決されてたまるか！返せ！返せ！返せ！

「遠郷タワー」

松居大悟_冰淇淋与雨声_2017

6.7

情绪上真是没什么说服力，青春题材经常这样。

时间提示、画幅切换、镜内蒙太奇、配乐旁白的入场共同作用出一个戏里戏外时间空间边界不明的叙事概念，可以说非常新鲜，可这些在前十几分钟吓到了我的一切形式都在后来逐渐疲软。某种程度上它从头到尾都带来了快感，这是场面调度的功劳，尤其是吉他念白组固定频率的出现，有张有弛，爆发和沉寂分布得很平衡。有些电影会很像音乐，这部就是其中之一。它未必是那些听完之后让你怔在原地很久的音乐（当然有这种音乐），而是在过程中会前摇后摆的那些（当然也有这种）。

剧情的设计呢，跟不上这种出色的节奏。虚浮的台词听得我面红耳赤，和重新看高中时日记的感受类似——我倒不会反感这种对着空气挥拳般的尴尬，也理解少女少年不分虚实地疼痛。这群年轻人对于差不多的梦想有各异和持续变化的态度，热情啊，偏执啊，绝望啊，释然啊，空虚啊，或表达自己的无法理解或接受，最后又可以抱着明知不可达成也要做的觉悟。主创在电影开始的会议上说了，青春期疼痛嘛，待会儿要是疼麻烦你就“哎哟”一声，全面而具体可不够精准，情绪转变的动机和表现形式都十分潦草。倘若每个角色都要如地铁上的醉汉一样吐露心声，谁愿意听呢？她们抱怨了，“所有人都无聊，包括你，大多数时间也无聊”，我对本片也有相同的困惑，哪怕到剧场后鼓点更加密集，天旋地转，也只加剧了我的困惑。既然这个小镇没劲，为什么不去别的镇呢？我就是这么问我自己的。

《冰淇淋与雨声》8.0

《听说桐岛要退部》8.0

①

发现两部电影或迥异或相似，倒也生搬硬套能说出点关联，偷懒的想法冒出来，就干脆凑一块写了。

《冰》是74分钟的一镜到底，绵延好几周、转换多个场景的时与空，都被一个镜头串到了一起。

《听》从不同视角观察同一时空的相同事件，是错综复杂的一张网。

在观看《冰》时，观众是全程的参与者，始终保持在中二热血的亢奋中。

而在观看《听》时，我们更多是冷静的旁观者，只在结局的阳台上，小小地中二一会。

《冰》的一切目的都是为了一场早已被取消的演出，而《听》里面所有兜兜转转，都是为了一个注定不会出现的人。

他们讲的都是，疼痛的青春。

②

《冰》是一部评论两极分化的电影，那么，如何测试你与这部电影的相性呢？打开音乐软件搜索日本乐队「MOROHA」，听上一会儿，要是没有翻着白眼赶紧关掉，反而津津有味的话，说不定，你会喜欢这部电影的。

③

常见的青春片总有少年升学或是转校生忽然到来，于是旧秩序失衡，各种纷争。《听》反其道而行之，金字塔顶端的风云人物忽然说要离开，所有人于是主动或被动地被打扰，陷入无所适从。

一边是充分可信的微妙细节，一边是《等待戈多》似的荒谬主题，还真是，有意思的剧作。

20190409

从拍摄手法、场景搭建和服化道上看，《冰淇淋与雨声》是继拉斯冯提尔的《狗镇》之后再一次颠覆我的影片！

《狗镇》是用线条、人造光和极简道具来拍摄，而《冰》连这些都彻底抛弃了，手持镜头下，演员们穿着自己的衣服，用粗糙的道具和身边的物品随时随地就开始表演，他们只要一开口说台词就自动进入戏里，自带BGM。影片的背景音乐是Moroha乐队，一个弹琴一个扯着嗓子说rap，竟然很有日本武士的风范，他们就像《兰戈》里面的猫头鹰乐队，如空气般存在，唱出人物内心爆发的情感。

与同样是戏中戏的影片《法国中尉的女人》相比，《冰》对“现实”和戏切换方法更胜一筹并且有内在的逻辑。

一开始还能从演员捧剧本和导演指令来区分“现实”和戏，但是随着时间的流逝，演员也在成长，台词更熟稔，演技更精进，最后只能通过画面比例的切换来区别，因为“现实”的人物情感已经和戏里人物完全同步。再加上演员就用本名演出，所以有时候看得入神，甚至注意不到画面的变化。

当他们正式换上戏服站在台上准备演出时，影片却停在了此刻，谢幕了，因为大家都知道演员们的火候已经到了，他们会演得很成功，毋庸置疑。

影片还有一个出彩的地方，即对“现实”时间的艺术处理，同一个镜头下，演着演着就自动过渡到了几天之后，这种根据人物心情而不是根据场景变换来交代时间流逝的方法很让人着迷，因为这一点，整部影片真正做到了一镜到底！！

据朋友指出有两处翻译错误 里面的“植物个性”“有个性的小宇宙”的“个性” 应该翻译为“自由意志”。整个片子很尼采 贯穿的主题就是自由意志和本能原始的情绪。

非常喜欢里面的元素 舞台剧和日本传统的艺术表现形式“狂言”不过以现代化手法呈现。这两种艺术形式本身就是一种渴求原始情绪的化身。

电影镜头故事虚实的切换非常自然、很写实（虽然有几处演技我觉得有点崩）所以与其说文艺片感觉更像个学院片。看的是技巧 完全不是剧情。

电影名字《冰淇淋与雨声》感觉好像是毫不相关的两个东西甚至听起来有点文艺过头的cheesy 但是观影后会发现是电影虚实界限的高潮的浓缩。所以回过头再看这个电影名字 其本身就很有力量。

电影highlight的反理性主义最有张力的部分在他们闯入剧场然后“老板”说的“你们不经过同意就闯进来这也是错误的。”这句话体现。

总而言之 非常敬佩这个导演的才华。

四星观感

两星推荐。