海角七号

海角七号终于上映了。

因为早就看过DVD版本的缘故，所以并未去电影院看。听了一些身边朋友的观感，也看到一些媒体报道，似乎这部片子在大陆热度有限，远远无法与在台湾的火爆相提并论。

对于这样的境况，不觉得奇怪。《海角七号》，是一部很台湾，而非很台北的电影。你不理解当下的那个台湾，尤其是台湾南部以台客文化为主的本土文化，那么对这部《海角七号》就很难产生亲切感，产生认同感。曾经两次去过台湾考察，加起来的时间超过半个月。走访了很多标志性的地方，比如诚品书店、渔人码头、凯达格兰大道，再加上考察期间台湾当地教授连续填鸭式的授课，对于台湾很多方面的现状大体还是了解的。不过，严格来说，对台湾的直观了解和亲近，更多是对台北的了解，对浊水溪以北的了解。而对于南部台湾，那个只听得到闽南话的真正台湾，其实有的二手的观感——毕竟半个多月台湾的考察，在南部加起来的时间不超过5天，而真正见过聊过的依然是那些操着台湾国语，并不能真正代表台湾尤其南台湾文化的“非典型台湾人”。也正因此，对于这部《海角七号》，我可以从理论上去理解它在台湾走红的原因，但无法投入其中，去喜欢上它——毕竟个人喜欢的，依旧是那个大体上还算国际化但又有台湾特色的大城市台北，而非那些真正台湾的中小城市，乃至乡镇。

《海角七号》是一部什么类型的电影？我知道很多身边的朋友是带着看爱情剧的预期走入电影的——若有这样的预期，自然是会大失所望。的确，剧中有两段爱情戏，一段是呼应剧名那段由七封迟到情书叙述的六十年前的中日之恋；另一段则是主人公阿嘉与在台湾的日本人友子的恋情。不过，这绝不是这部电影的主线，甚至在我看来即使全部删去，也不会影响这部电影在台湾的受欢迎程度——爱情戏，充其量只是锦上添花而已。

归根到底，《海角七号》是一部很台湾本土化的励志电影，一部讲述几个普通人成功组织一支乐队并成功演出的台湾版“阿甘正传”。而这部剧集之所以能够在台湾火爆，也就在与这几个人和其它一些配角都是很典型的台湾人，能够让大多数台湾人有所代入，反映他们的真实生活状态。

范逸臣扮演的主角阿嘉，一个在台北呆不下去，被迫回到老家的失意青年，一个七年级生(相当于我们说的80后)，电影开首的那句““操你妈的台北 ””，已经道出了这部电影的主旨——这是一部无关台北的真正台湾电影。阿嘉的怀才不遇，其实反映了许多台湾当代年轻人的困扰，那种只能挣扎在自己乡土之上，无法融入台北大城市或者说台湾上层社会的那种怀才不遇；至于说永远操着闽南话的茂伯，则代表着老一辈的失落。虽然是国宝级的月琴大师，但是因为与乐队要求(可以将其视为现代社会的隐喻)，而只能沦落至打打沙球，这个心路历程到之后的接受，无疑代表着老一辈对自己的重新定位，而最后的重操月琴的情节则是一种二次成功的希望；至于那个卖酒的马拉桑、唱着《爱你爱到不怕死》的八年级生，火爆脾气的交通警、修车行伙计，情节女工，无疑也是台湾市井阶层各类形象的代表。

当然，在这部电影中真正代表着那种非台北化台湾形象的，是马如龙饰演的洪国荣，“我要把恒春镇放火烧掉，然后把所有年轻人叫回来重建恒春”，“要自己回来当老板，不要当人家的伙计”，这两句话充分反映了台北以外尤其是台湾普通乡镇对于城市化的那种反感乃至厌恶。

就是这样与台北无关，台北无法容纳，甚至anti台北的真正典型台湾人，用自己的努力，最后真正的成功演出了——这样的努力并成功的励志情节，对于经济日益衰落，昔日四小龙意气风发不再的当下的台湾人，无疑是一帖自我勉励的良药。

是的，与我看来，《海角七号》的成功，是一种反映着台湾本土anti台北文化与励志故事交叉后的产物。并非所有的励志故事都能做到普世的，至少《海角七号》不能。不明白电影中人们对于台北的那种心态，不能理解台北以外台湾人的生存状态，对《海角七号》恐怕是很难会喜欢。

毕竟，《海角七号》是一部无关台北的台湾电影。
PS：《海角七号》要表达的，其实和昔年罗大佑的那首《鹿港小镇》很是类似。这里顺便再引一遍歌词，大家可以对照着看。

    假如你先生来自鹿港小镇
    请问你是否看见我的爹娘
    我家就住在妈祖庙的后面
    卖着香火的那家小杂货店
    假如你先生来自鹿港小镇
    请问你是否看见我的爱人
    想当年我离家时她已十八
    有一颗善良的心和一卷长发
    台北不是我的家
    我的家乡没有霓虹灯
    鹿港的街道鹿港的渔村
    妈祖庙里烧香的人们
    台北不是我的家
    我的家乡没有霓虹灯
    鹿港的清晨鹿港的黄昏
    徘徊在文明里的人们
    假如你先生回到鹿港小镇
    请问你是否告诉我的爹娘
    台北不是我想象的黄金天堂
    都市里没有当初我的梦想
    在梦里我再度回到鹿港小镇
    庙里膜拜的人们依然虔诚
    岁月掩不住爹娘淳朴的笑容
    梦中的姑娘依然长发盈空
    再度我唱起这首歌
    我的歌中和有风雨声
    归不到的家园鹿港的小镇
    当年离家的年轻人
    台北不是我的家
    我的家乡没有霓虹灯
    繁荣的都市过渡的小镇
    徘徊在文明里的人们
    哦—-
    听说他们挖走了家乡的红砖砌上了水泥墙
    家乡的人们得到他们想要的却又失去他们拥有的
    门上的一块斑驳的木板刻着这么几句话
    子子孙孙永保佑世世代代传香火
    啊,鹿港的小镇

话说我这人向来不爱看当季电影的，因为总是会被影片宣传和豆瓣评论搞的无所适从，所以就总是先淡定着，一直到快淡忘了才看。海角七号真是红了。先是去台湾大学交流的师妹在日志里隆重推荐，然后是左派机场流人士友情推荐，再接着上海一周整版轰炸推荐，我就没忍住把它给看了。

再话说我这人向来一写评论就跑题的。这次我已经预见到跑到何种程度了。

先是友子被迫留在岛上，接经纪人的电话时气愤地说，我已经老了。我不知为什么就突然想起一朋友言曰，二十岁空谈理想和四十岁空谈理想的感觉是不一样的。可为什么不一样？
著名中年双鱼男，以缺德服人作家石康有段话大意是，一想到某一天当他已经老了，满街的小姑娘还是那么水嫩而他却心有余而力不足无法对她们施展当年的雄风，他就会感到十分的悲伤（我觉得他预言的这个时期已经正式到来了，他现在拼命写剧本就是因为一没什么精神头儿泡妞了，二要挣大钱升级软件以弥补雄风不再的硬件缺陷——虽然我也没机会知道他当年究竟雄风几何）。
但我非常之喜欢这段话。虽然我也可以直接效仿说，一想到某天我已经老了，满街的小正太还是那么鲜嫩而我却只能谨守妇道远观而不能亵玩焉，我就会感到十分的悲伤——但是近期好像出了女写手们声称要与余秋雨一夜情给韩寒当情人等网络宣言事件，舆论反应给女青年的教训是，女人的性幻想，哪怕再限制级的性幻想，只要不说出来就不会被人认为龌龊——所以我只能假借石康这段话表明态度，我们怕老，仅仅是因为怕失去我们作为年轻人的优势——健康漂亮，敢爱敢恨，痴言妄语，无所事事。
我可以把琴狠狠摔掉大骂脏话，我可以就这么耗着等别人践踏我的理想，我可以拆开无处投递的邮包，我可以对一个不回来的人尽情思念，我可以暗恋老板还没死的丰腴老板娘，我还可以塞着耳机大声唱“爱你爱到不怕死”。

当我们老了，我们能做什么呢？
苦口婆心告诉年轻人什么可以做什么不要做，全然已经忘记我们年轻的时候最讨厌这些东西；我们要安于现状，晒晒太阳钓钓鱼，只在重大场合如结婚生子作为历史见证者受邀出席，而正在发生的历史已经与我们无关。最重要的，我们会渐渐忘记曾经为之疯狂的事情以及当年我们是如何的为之疯狂。

我不要暮年的夕阳中读到你的信听你如何诉说你当年不是抛弃我而是舍不得我。我要的只有现在。全部的现在。
情可以书，思可以念，语言的力量如此强大。
可终不能替让他们残缺的一生变得稍稍完美一点。
但是一个拥抱过后的“留下来”或“跟你走”，就变得那么不一样。

留住Ta在你的海角七号吧。我怕老去。更怕失去。

  豆瓣上什么评论能火？首当其冲是文青相关，亘古不变的话题，要是文艺女青年，那么+1；其次是言辞奔放，个人比较欣赏的是胡子和丁小云，话糙理不糙，句句切中G点；再次是黄色话题，赤果果的讲男女，自从有了豆瓣，我再也不上黄网了；然后是愤青，永远不缺乏市场，恶心组可见一斑。这么看来融合了这几大元素的《海角七号》在豆瓣想不火也不行，所以我预感弄了这么个标题党，这篇评论也能火。

  文青：阿嘉，典型的文青。暴躁而又抑郁，恃才傲物而又自暴自弃。家庭环境也是典型的文青的温床，父母离异，穷爸爸没交代，富爸爸有权有势。是不是每个文青都要走两个极端？要么就是理想主义如王彩玲，郁郁一生。要么就是悲观厌世却又人品巨好如阿嘉，不务正业，天天宅着偷拆别人信看，2年憋出一首歌来，还有女优送上门来睡，不睡还不行，睡门口水泥路等着。真是礼轻情意重，千里送B草啊。末了居然还跟中孝介同台表演，后话不用交代观众也知道肯定咸鱼大翻身，新人新井新钻头，越钻越深越出油。

  摇滚范儿：茂伯，这老爷子太可爱了。目中无人的那么可爱，与年轻人打成一片的那么可爱，坚持自我的那么可爱。和阿嘉的忘年交肯定借鉴过何勇，1994年12月17日，红磡体育场的舞台上，父子同台，当着近万名沸腾的香港乐迷，何勇说：“三弦演奏，何玉生，我的父亲。”老爷子简直是国宝级的摇滚范儿。摇滚乐队一定要有这种气质的人作为精神领袖，哪怕是在台上摇摇手铃。1994年，The Eagles 的传世经典《Hotel California》现场，那段长达两分半史称最经典的华彩之后，Don Henley 献声，而手里只拿了两个沙锤。……摇滚范儿是到底是什么范儿？以前跟曼曼争论过，她说摇滚不一定非要吸毒，滥交，不一定非要举起拳头颠覆这个世界的。我说，玩摇滚吸毒，滥交是为了保持精神的高度亢奋状态，不是要颠覆谁，但是一定要振聋发聩,摇滚从它诞生的那天起就是愤怒的。中国摇滚为什么从“魔岩三杰”之后就死得这么彻底？听听尚有一丝生气的夜叉乐队的《中国摇滚》就知道了：你说摇滚是艺术,我说摇滚是武器/你说摇滚会害人民,我说摇滚会救苍生/你说摇滚是资本主义的阴谋，我说摇滚是社会主义的帮手/你说摇滚是政治家的眼中钉，我说摇滚是这国家最尴尬的丑星/再来五十年也不会有改变/人们不需要摇滚乐，因为他们很快乐/再来五十年，也不会有改变/人们不需要摇滚乐，因为他们很自由 /你很快乐是吗? 你很自由是吗?

  萝莉：生理不成熟，心理成熟的萝莉实在是太有诱惑性了，比如大大。可以跟小正太排排坐看夕阳，也可以轻吻额头抚慰酒醉的蜀黍，这次第，怎一个推字了得?

  小三：女小三多了，男小三不多见。男人的独占欲和嫉妒心是最强的。水蛭念叨的那段青蛙交配理论，与其是说给自己当小三找借口，不如说是掩饰自己的懦弱。老板娘万种风情，也算是对水蛭的默许。水蛭的命运明显暗合那个日本老师，也不算悲剧吧。其实“长得像昆虫”的水蛭蛮有杀伤力的，按照经验来看，如果霸王硬上弓的话，效果反倒不好，女人主动投怀送抱是什么心态？你日了我一次，然后悔不该当初，又痛哭流涕又下跪发誓负责一辈子的，你真TM禽兽，以后连笑脸我都不给你；你搂着我睡了一夜，居然没日我，那你真TM禽兽不如，不过以后我们就没什么心理隔阂了，都是动物了。

  制服诱惑：警察叔叔算是个理想化的形象吧，专一，有责任感，有血性。一直没露面的鲁凯公主想必是驯夫有道。都说男人是下半身思考的动物，女人斗争了这么多年，总结出来对策就是：要抓住男人的心，首先要抓住男人的胃。控制住上半身，放任你下半身，总有回归那一天。

  女优：友子真是继承了倭国的优良传统，尤其是酒醉阿嘉床上那一颦一笑，颔首皱眉。真让人有鬼畜的冲动，上半身，下半身全被你统一了。

  抗日：中孝介的长音真有日本能戏古风的味道。

  最后说一说大陆政治解读《海角七号》的殖民地情结吧，貌似大陆对台湾的亲日态度还能柔和些，不至于像对东北伪满政府那么愤恨。可能真是拿我们东北当自己家孩子，台湾是抱养出去的？当面教子，背后骂妻？抛开民主主义，爱国情绪，有个理论我觉得可以让我们拿来当借口：斯德哥尔摩症候群。

这是又一篇与电影无关的评论。这里将要说到的是故事。我有一个真实的故事。有一天晚上，我收到一条手机短息。完全陌生的号码，屏幕上出现离奇的字：

“老公你知道我昨天为什么没打你嘴吗？因为打在你脸上疼在我心里，你明白吗？我是永远爱你的！你吃饭了吗！那老娘们又打电话了吗？”

毫无疑问，这是一条走错路的短信。我反复看着这条短信，觉得这真是有意思。这里面有故事。故事的背后还有更多故事。这么一条不算长的短信，却完全可以衍变成一部小说。这需要理解能力、想象力和逻辑推理能力。当然，更需要吃饱撑了后的闲情。

我就是典型的易吃撑型，所以我对这条短信展开了无尽的遐想。大概人都有偷窥的天性，喜欢觊觎别人的故事。发错的短信、寄错的信、错拍的照片、错录的视频，都可能成为偷窥的窗口。而电影，其实就是一种最大的窗口。电影就是一种别人的故事。而有一些电影，比如《放大》，比如《海角7号》，就是别人故事里的别人的故事。

看别人的故事一般有两种目的。一个是从别人的故事里找自己的影子，一个是拽着别人这根绳子从自己的故事中跳离。这两种情况对于我都或多或少有一点儿，后者可能更多。别人的故事能够成为一种麻药，让你忘记自己的故事，或者短暂性失明。年轻的时候我曾经希望，自己能发生很多故事，后来年纪大了，就渐渐明白，故事还是发生在别人身上好。

我现在特别怕别人说：你是个有故事的人。这简直就是一条凶猛的诅咒。有一种说法是：没有故事的人是幸福的。我觉得这个说法很正确。我的理解是，那些能在心里积淀下来的，形成故事的记忆，总是黯然神伤。就像眼泪的连绵总比笑容的绽放更长久，快乐是轻逸的，便容易飘走，而悲伤是沉甸甸的，是向下的。因为沉重，所以积淀。

所以没有故事的人，往往没有什么大的动荡，没有起起落落，没有脚下的石头和头破血流。像偏安的南晋，顶难过的时候也不至撕心裂肺，顶快乐的时候不会肆意疯狂。平平淡淡，却塞满小乐趣和小幸福。虽然少了谈资，却也少了泪水，少了累累的伤口和坏天气时候的复发。所以有时候祝福一个人生活多姿多彩，倒不如祝福她淡如止水。

遗憾的是，幸福的人总是比较少。好像每一个人都有故事。而且，很多故事往往都无法说出，或者成为许多年后的一声叹息。我时常想，有多少故事会悄然地发生又悄然地消逝，埋葬在《花样年华》里的树洞里，埋葬在深不可测的人心里？人心浩渺，这大概是穷尽地球上所有的电脑都无法计算出的谜。如果未来真有乌托邦的存在，那应该是一个消灭了一切故事的世界。

但至少，在目前这个并不乌托邦的世界，我们离不了故事，我们都需要故事。豆瓣内外的文艺青年们都需要故事。艺术家们更需要故事。故事是一切艺术创作的源头，尤其是那些发生在艺术家自身生命里的故事。他们拥有这些故事，有点儿牺牲了自己成全别人的意味。而向艺术家靠拢的文艺青年，则是处境危险的准雷锋。

所以说，文艺青年是一种前景并不乐观的职业。那意味着生命中将可能充满故事。所以我痛恨别人说我是文青。我不愿做别人的手纸，沾满眼泪、鼻涕、血迹和屎。貌似丰富多彩，却残破不堪。我宁愿自毁容颜，做个毫无内涵的白纸，做一个低俗的粗人，做一个附庸风雅的文盲，做一个没有故事却快乐的伪文青。永远保持在无限靠拢的行进状态，并永远都不掉进文艺的无底深渊。

如果新竹人、七年級生、職報球迷必看九降風，那麼我想，台灣人更應該要看海角七號。

從九降風再看到海角七號，台灣電影在糟糕的體質底下，其實還充斥著澎湃的血液，讓我看見如此的希望而難忘。我們不僅僅有了關於風城的故事，現在還多了一個講述國境之南恆春的海角七號，相對於九降風明確刻劃出某個特定世代與青春的圖像，海角七號聚焦的是所有揉雜在那塊土地上、因歷史因素和不可抗力而共存的各個族群，如何碰撞、矛盾、融合，那是導演眼中的恆春，透過鏡頭說出來的模樣仍保存的如此真實。

魏德聖在《賽德克巴萊》試拍片中開了一扇門，隱約透露著門後美好風景令人嚮往，最終卻無法如願，而我以為那門早已隨著《賽德克巴萊》的夭折緊緊關上了。幸好，他選擇了一封查無此人的情書再度出發，用60年前一段遺憾的感情與60年後的恆春故事交錯，我想，魏德聖這次擺在門後的，是一個以愛為名的族群融合的美景，不論是種族、國籍或以年齡為分野。

你會看見，居住在南國恆春的有閩南人、原住民、客家人，有自異地歸鄉的，有離鄉背井而來的，臨時成軍的搖滾樂團更橫越老中青三個世代，他們全都聚集在國境之南，一個內在保留農村傳統之舊、外在能帶來觀光潮流的地域，恆春的山海將他們圈成一個群體，在群體中試圖磨合、尋求共處模式。

我私心闡釋著，恆春是對台灣島嶼的隱喻，電影裡的人們是整個島嶼居民的縮影，小小的土地孕育著多元本土色彩和異質性，甚至包容著遠渡重洋而來的異鄉人，至於歷史情仇、種族分野都只是被刻意操弄的手段，回到小人物的真實生活中，可能不比喜宴的電子花車精不精彩來的重要。

海角七號運用著「舊」和「新」兩個元素製造對比：60年前深藏在衣櫃中寄不出的信件，裡頭承載著一段在大時代中難以成全的愛情，以及長存在兩人心中的缺憾和誤解，歉意就像海角七號的地址早已佚失，無處投遞，本該退回的郵包在被開封之後，和60年後兩個年輕人之間感情故事產生了連結，像是老者以人生經驗對少年做出的無聲提點：60年前的愛情是遺憾的，並且毫無選擇，而60年後的他們還來得及選擇更完美的結局。相隔了半世紀的時空才寄出的信，雖然已經來不及挽回往北國開去的船，和離愛人遠去的人，能彌補的只有，當時親眼看見愛情離港的友子，從那一刻起就已經遺落了一輩子的缺口，以及讓送信的人第一次如此奮力飾演郵差，彷彿是遞送著自己的愛情。

阿嘉和茂伯兩個新舊郵差，更是明顯的對比和互動著，一個是電吉他的尖銳，一個是月琴的悠揚，從敵對、摩擦的開始，直到發現私藏信件的秘密後，轉而為相同目標努力(樂團、送信)，新人在過程中懂得尊重舊人的智慧和堅持的信念，舊人也不再視新人為敵手，轉化為和諧的關係。

在電影中導演刻意安排了許多令人發笑的角色和情境，大部分都是成功的贏取觀眾笑聲，尤其是茂伯這個鄉土人物是塑造最成功的角色，只要一出場就令人期待會有什麼驚人作為。

范逸臣飾演的阿嘉在扮相和詮釋能力上令我驚豔，一開場就怒砸吉他，騎著野狼從台北飆回恆春，作為一個不得志的搖滾樂手，落寞返鄉之後充當郵差，范逸臣從肢體和表情貼切表達出那種孤寂無奈，跳脫出我對一個偶像歌手的印象。

馬如龍是一個你也許叫不出名字，但看到他的臉、聽見他的聲音，你就聽見「戲」的硬底演員，他演一個權利足以掌控恆春鎮上大小事的會長，成天把鎮上青年外流，不願留在家鄉工作的情形掛在嘴上憂心，爭取中孝介眼唱會的暖場團時，手法介於黑道和鄉土味角色之間，有種「林北就是跟你車拼」的喜感，也同時演活了一位融合草莽氣息的鄉野士紳。

夾子小應客串的是一個機車行黑手，瘋狂暗戀著老闆娘，為了討好老闆娘，還得不時的幫忙照顧三個小鬼頭，身為鎮上唯一的鼓手，上台表演前一天特地染了頭紅髮，雖然被茂伯說成「灌籃高手已經不流行了」還是很天真那樣。

馬拉桑是馬念先演出的，一個無時無刻都在推銷小米酒的業務，總是以過大的音量大喊「馬拉桑」，那種不屈不撓的野草性格，應是台灣人面對工作的執著的反映吧。

海角七號真是一部很有層次的電影，就像是個無所不賣的商店，讓每個進戲院的人，都能獲得自己想要的東西離開。不論是最簡單能引起觀眾迴響的詼諧情境、甘草人物和笑點，或者是感性如人與人之間情感的羇絆、夢想與現實之間的進退拉鋸，甚至是嚴肅如青年人口外流、本土與外來勢力的抗衡、將環境視為有價財產的買賣，以及台日因殖民而糾葛的歷史情結。

所以它可以是一部瘋狂喜劇、可以是一部動人文藝片，也可以是一部熱血的樂團電影。你選擇接收怎樣的訊息，海角七號對你而言就是一部怎樣的電影。

雖然這部電影裡還是存在著不管看幾次都無法扭轉的缺陷，好比林曉培飾演的大大媽媽的角色顯得薄弱，會說流利的日文卻只是個客房清潔工，終日帶著抑鬱寡歡的表情，單親的身份只能隱約猜出曾被日本人傷過心，與年邁友子之間並沒有明說的心結，在觀眾心中留下必須反覆推敲的謎團；又好比前一個鏡頭還在互瞪、後一個鏡頭就擦槍走火的友子和阿嘉，兩人從敵對到愛慕的心境轉換，只透過一個夜晚一場床戲，這是我對劇本唯一的挑剔之處。

但屏除這些缺點，海角七號還是瑕不掩瑜。不管看幾次年邁友子等到遲來情書的背影，眼淚就會流幾次的我，還是很開心魏德聖讓台灣人能看見這樣的海角七號。

最早知道《海角七号》这部电影的消息，还是因为日本歌手中孝介。2006年末到2007年初，正是中孝介走红台湾并波及内地的时候，因为喜欢中孝介，才在他的个人官方博客上，发现他参演这部电影的消息，那时应该是去年的四月。然后直到今年暑期，突然爆出《海角七号》大热台湾影市，票房热度持续高涨，甚至超过《色戒》什么的云云。不免有些好奇，到底是什么样的影片能够让几乎不看国产片的台湾人如此痴迷呢？到了10月，《海角七号》终于现身网络。

作为内地人看到这部电影，老实说肯定还是没法明白，为什么这样一部看似普通的青春励志片能压倒《色戒》、《赤壁》这样的大制作电影的超高票房？
《海角七号》讲述的是一个台湾小镇恒春为了迎接日本歌手中孝介要召开海滩演唱会，需要立刻组织一个当地乐团作为暖场嘉宾而展开的一系列努力，过程中不乏搞笑，失落，直到不断坚持而获得成功的励志故事。本来很简单的一个故事，因为导演独具匠心的加入一段60年前的中日跨洋爱情，通过七封迟到的情书的传递表现出来，而使得整部影片豁然呈现出一种迥异于一般青春片的厚重与隽永气质。
影片中的七封情书是导演魏德圣亲自操刀撰写的，文字功力很深，年轻人一下子感受到文字书信的魅力，这是网络时代的他们所缺失的，因此显得尤为浪漫。但这段爱情其实只被导演用作一个淡淡的背景，甚至作为日籍教师的脸部特写都没有，永远是远景或虚景。而更关键的场景，60年后老太太收到后辈们努力送来的情书，竟然连一个脸部都没有给，显然显示了魏德圣决意避免煽情。实际上这种举重若轻的处理方式形成的留白比煽情更有余韵。

内地人自然很难了解为什么，这部影片在台湾那么广受欢迎。台湾网友这样告诉我：这部影片出来的时机很对，现在是台湾人民民族意识最高涨的时候，对于反映本土民俗的电影尤其欢迎，这才是《海角七号》狂破票房的真正原因。至于有敏感的大陆影评人认为影片反映出是不良的殖民文化，就完全是不了解台湾历史的放言。为什么日本人败走台湾时是影片表现的那样和平，原因是虽然日本统治台湾51年，但事实上也把日本先进的基础建设、城市规划都带到台湾，当时台北是第一个在亚洲有街灯的城市，台湾的第一条铁路都是日本人建造的，比起清廷、葡萄牙、荷兰等其他统治者来说，台湾人民对日本的好感远远超过前者，所以台湾人对日本是有感激之情在其中的。（这些内容都是台湾网友告诉我的，在网上查了一下，似乎都是事实。只是内地从来没有说这些而已。当然这些都是影片的外延，有兴趣的同学可以自己去搜索了解。）

其次，电影对台南小镇。市井民情的细致入微的写实是电影取得成功的另一大原因，日语、台语、闽南话夹杂反映出一个鲜活的小镇文化，演员的表演也全部以写实为主，所以大部分观众都是被这种真实所打动。好几个台湾网友告诉我，哇，电影中的那个谁谁就是他们镇上谁谁的样子呢。因为离的近，台湾人对此自然更加感同身受。而内地人看起来就与《练习曲》这样的没多大区别了。

影片没有邀请一个大腕明星：中孝介在日本本土都不算著名歌手，在国内虽说影响力大概比在日本本土都大，但无论如何也只是在一部分白领与小资中流传，所以范逸臣、林晓培这样就已经算是最大的大牌。
范逸臣扮演的影片主角阿嘉，是一个因为在都市中怀才不遇冲撞得头破血流，而不得不避缩到家乡小镇的年轻人，这是现代都市造就的典型闷骚男孩，内心的愤怒与困顿无法宣泄，有些自闭与忧郁，和家人及外界无法沟通也拒绝沟通，代表了很大一部分现代都市年轻人，开头砸吉他以及恶狠狠骂出的“操你妈的台北”，实在让观众看得爽快。
女主角友子扮演者田中千绘比范逸臣要抢眼，也许是因为自身与角色的高度吻合，千绘本身就是在台湾进修的留学生，所以更容易代入到影片中角色的设定中，她将友子作为日本人孤身在台湾的不适感，以及角色本身所要求的小小倔强与坚持表现得非常出色，当然更因为身材的激凸、自身的略微性感，赋予这个角色很多源于日本女性的魅力。

但事实上小人物才是影片的亮点：林晓培扮演的心事重重清洁女工；热血敬业的小米酒推销员马拉桑；执拗火爆的青年交通警察；国宝月琴师茂伯；克制不住暗恋明恋老板娘的机车修理伙计；辍学去教堂参加唱诗班的高小女学生键盘手大大，这些配角的表现全部比主角更加抢眼，一个个都让人过目难忘，印象深刻。
当然最最抢眼的就要数那个民意代表主席了，“我叫洪国荣今年65岁，身高170公分、体重75公斤。兴趣是打架、杀人、放火。”，“我要把恒春镇放火烧掉，然后把所有年轻人叫回来重建恒春。”“要自己回来当老板，不要当人家的伙计。”作为主角的继父又是恒春的代表主席，这个演员霸气十足，无论是表情、台词还是形体动作都非常有个性，只要他一出现，镜头中其他人都可以完全无视，有手腕有魄力又不乏头脑与善良，应该是整部片子中最精彩的人物。后来台湾网友告诉我这个老戏骨是在台湾非常大腕级别的马如龙，年轻时就是台湾的武侠明星，也是台剧支柱，老了演技更加炉火纯青，演起这样的角色自然是驾轻就熟，轻松自如。有个小八卦是电影中扮演范逸臣母亲的那个演员，也是马如龙现实生活中的夫人。

而已经趋于化境的国宝月琴师茂伯的扮演者林宗仁，在台湾也是确确实实的国宝大师，只不过不是月琴师，而是北管大师，这是他第一次拍电影，据导演透露他的音乐造诣很高，稍微学了一下月琴就使用自如了，而生活中的他还是几个餐厅的老板，非常精明能干。现实中的他最大愿望居然是红到好莱坞，真是和茂伯有一拼！

所以为什么这部电影如此受欢迎，是因为影片中包含了现实生活中几乎所有小人物的投射：阿嘉是不被大都市接纳屡屡碰壁的年轻人；清洁女工林晓培也处于社会底层工作，而且与上一代总有解不开心结的年轻人；火爆交警劳马投射的是那些外表很刚强但实际内心却很敏感纤弱总有很温柔一块的年轻人；机车修理工对老板娘的暗恋也好明恋也好，是每个底层青年在从事着貌似没有前途工作时都会有的性心理；被上帝都赶出来的搞怪键盘手大大只有10岁，充分表现出90后的早熟和搞怪（话说她在电梯中唱的那首歌《爱你爱到不怕死》已经在网络上飞传）；而每个做过业务的销售员一定对马拉桑非常认同，那种敬业与热血是从事销售工作的人所必须具有的；片中茂伯执拗到可爱的程度也让人重新认识到老人们的魅力；这些都很容易引起大众观影人群的共鸣；而且，导演功力更深的是将每个人物的故事都只是点到为止，绝不啰嗦，这样每个人物都有留白，给观众留下的想象空间就更巨大，所以要是看第二遍，反而感觉会比第一遍更好，正因为只有在看第二遍的时候，你才有可能注意到很多这样导演用心的细节，通过这些点点滴滴的细节，才能将小人物们对生活的热情与积极向上态度完整的表达出来。

在这个好莱坞大片通杀全球的时代，有这样一部文艺片能够奇峰突起，获得史无前例的票房记录，是非常让人惊讶的。什么时候，内地也能有这样一部文艺片占领票房冠军的时候呢？